Cartelera de Delia Negro

LAS ENVOLVENTES MUJERES DE FRANCISCO ZUÑIGA

 Costarricense de nacimiento y mexicano de adopción, Francisco Zúñiga nació en 1912 y continuó trabajando casi hasta su muerte acaecida en 1998 en Ciudad de México. Dibujante por excelencia y estudiante permanente de la anatomía humana, celebraba la forma femenina con una repetición casi obsesiva de la línea curva. No se entregaba a una representación figurativa de lo femenino, sino que sintetizaba la imagen y la convertía en volumen, en espacio …en un espacio más afectivo que atmosférico. Casi como tradicionales esferas precolombinas, sus personajes evocan al movimiento del alfarero, a la rutina diaria, a un destino pre-determinado, empaquetado, que las define como vasijas emblemáticas de una misma cultura.

Estos personajes parecen emerger de la tierra lentamente y sin dificultad, y sus volúmenes casi telúricos, no se despegan de ella… permanecen en un estado de flexible integración con el todo, y el bulto no se define, sólo se sugiere, se dilata… sostenido por los rebozos envolventes que empacan la figura y contribuyen al efecto de no desprendimiento.

Estos paños hechos de espacio y movimiento sintetizan y diluyen el lenguaje creativo eliminando formas, que de permanecer, hubiesen enturbiado el propósito casi de alfarero que el artista se proponía.

En piedra como en barro, en acuarela o en pastel, el lenguaje de Zúñiga se concreta en volúmenes casi escultóricos, destacando la figura-tierra, la mujer-fecundidad, la vasija-forma.

Este propósito de ejecución, de crear con las manos y de pulir con el pensamiento, le otorga a la obra de este artista, una honda ternura que revela su interés por algo profundamente humano y unido a lo cotidiano, a la vida del campesino y del hombre común.Ninguna de estas mujeres es vista como una mujer obesa, al contrario, son formas naturales que se concretan en el espacio. Cada una de ellas es una síntesis de su propia cultura y de una idiosincracia cotidiana, es una realidad modelada por la cotidianidad.

Delia Negro

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CERVANTEAR…  AL ESTILO DE ROBERTO MATTA

“Cervantear es alzar la lanza a dos manos en contra de los churrulleros que deslizan entre nosotros sus descarrillados cuentos,cervantear es desgañitarnos  en contra de sus desmorroneantes desparpajos hollywoohediondos de pinochetorreas,cervantear es hazañar hazañas y sus helechos en el lecho del hecho…”

“Don Quejados de las Manchas” - Roberto Matta

El 11-11-2011 se cumplirá el centenario del nacimiento de Roberto Matta y con estas líneas nos anticipamos y sumamos al acontecimiento. Este chileno nacido en 1911, un 11 del 11, consideraba esta fecha casi de carácter cabalístico, pero además la leyenda agrega que había nacido a las 11 de la mañana… excelente presentación para uno de los hijos del surrealismo.

Roberto Matta se definía a sí mismo como el “poeta de la expresión plástica”…“mis cuadros son paisajes del inconsciente”

Pintar con palabras….parafrasear con colores era su estilo. Comprometido y convencido con su función, consideraba que la misión del arte es “construir una conciencia” y la del artista es actuar como mediador para que ello se cumpla.

“Yo soy la imagen de un personaje combatiente, que combate en sí mismo y en contra de este mundo”. Como Do Qui, Matta expresa un conflicto entre la necesidad de cambiar el mundo y la necesidad de cambiar su propia vida. Dos locuras geniales se encuentran en la alucinación cotidiana y juegan con la palabra, la imagen y el color.

Matta no ilustra al Quijote, por lo contrario, comparte con él alucinaciones que producen formas y que flotan en un soporte difuso de color.

La función del artista es re-inventar la humanidad y la cultura de la imaginación es el medio para lograrlo.

 Don Qui y Qui d’Eux, series de litografías de línea depurada, iluminadas con colores brillantes y trazos definidos e indefinidos en su propia maraña, crean un movimiento constante a las alucinaciones de Don Qui-Matta. Estas alucinaciones afloran en una propuesta surrealista netamente latinoamericana, que recuerda los códices antiguos de civilizaciones milenarias.

“Soy solamente un hombre que atestigua morfológicamnete lo que ve”. Y en una atmósfera difusa que concreta formas, y en la degradación de colores brillantes o sombríos, el artista descubre el camino de la abstracción, partiendo de lo figurativo hacia una síntesis lineal, y destacando siempre masas pictóricas con criterio expresivo, ideológico y visual.

Los pasteles de Matta inspirados en El Quijote también son dignos de ser destacados, composiciones que despliegan su importancia y su lenguaje pictórico alejándose de la definición, en una búsqueda ansiosa de la decoloración y del esfumado, favorecida por el áspero material que parece  licuarse en su desplazamiento. 

Delia Negro

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ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

Radiance from the Rain Forest: Featherwork in Ancient Peru 

No podemos dejar de mencionar la trascendencia de este acontecimiento en el Museo Metropolitano de Nueva York, por ser la primera exhibición que se realiza en un museo de Estados Unidos, sobre este arte milenario. 

El arte plumario es poco conocido entre las colecciones arqueológicas, su misma naturaleza y fragilidad hacen de él un testimonio raro y exótico.

Plumas de colores vibrantes, azules, amarillas, verdes y rojas amarradas sobre una superficie de sostén, se suceden formando composiciones cromáticas que constituyen un lenguaje en sí mismo. La lectura de cada pieza comienza por la técnica de confección de las mismas. Los tipos de plumas utilizados, sus formas y sus tamaños constituyen el lenguaje pictórico de cada expresión. Su textura sedosa y su colorido han sido características codiciadas en la elaboración de ropaje de ocasiones especiales, de ritos religiosos o guerreros o de simple ornamentación.

Pero sin duda el aporte de mayor relevancia en la composición visual de cada una de estas piezas, lo dan los colores. Tanto la luminosidad y las sombras, como la opacidad y las transparencias aparecen en este arte textil, tan bien logradas como los cromatismos aglutinados por la voluntad del artista plástico en su lienzo. La experiencia textil de los habitantes de esas zonas de Los Andes debe ser destacada y valorada en su justa medida. Este arte frecuentemente considerado menor, debe ser revalorizado y ubicado en el sitial que le corresponde dentro de las artes plásticas.

Cantidades incalculables de plumas de pájaros de la selva amazónica eran trasladadas hacia zonas del antiguo Perú y del Océano Pacífico. Ellas constituían un material precioso e indispensable para la confección de penachos, pectorales, túnicas ceremoniales, etc.; estética ritual imprescindible en ciertos tipos de celebraciones.   

Este lujoso y sofisticado arte ritual constituye una milenaria tradición del Perú precolombino, aunque poco se conoce sobre su cultura específica. Tanto la literatura arqueológica como la plástica, han postergado su consideración tal vez por la propia naturaleza peredecedera de su material orgánico y por los pocos testimonios que se han conservado. Actualmente este arte sigue vivo en algunos pocos lugares de América Central, en los cuales se usa mayoritariamente la pluma del quetzal.

La colección expuesta durante estos meses en el Museo Metropolitano de Nueva York presenta más de setenta piezas. Aunque la mayoría de ellas están datadas entre los siglos VII y XVI después de Cristo, se pueden observar algunos exponentes de épocas anteriores a la era cristiana.

Todo lo dicho convierte a esta muestra en hecho de excepción a nivel internacional, considerando las pocas oportunidades que se presentan en la actualidad, de admirar un acervo histórico con estas características.

El Museo Metropolitano de Nueva York mantendrá esta exposición abierta al público hasta el 1 de setiembre.

Delia Negro

para ver las imagenes del Met vaya aqui.

 

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