Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

Archive for the ‘Pintura’ Category

MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO

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MUSEUM OF LATIN AMERICAN ART – MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO – LONG BEACH – CALIFORNIA

El 20 de septiembre el MOLAA ha abierto al público una extensa exhibición de arte contemporáneo latinoamericano, como muestra previa para la subasta que se realizará el 18 y 19 de octubre en el propio museo. Esta subasta anual de Long Beach- California es ya tradicional para el mundo del arte latinoamericano, evento que el MOLAA realiza desde el 2006. Año a año la calidad de las piezas expuestas se ve mejorada, situación que agrega cada vez mayor interés al evento. Su organización aplica un criterio de selección exigente y presenta una propuesta accesible y puesta al día con la realidad latinoamericana, al mismo tiempo que abre oportunidades a los artistas emergentes, en un mercado ávido de renovación. Obras de reconocidos artistas plásticos como también de jóvenes con gran potencial, aparecen desplegadas en las amplias instalaciones de la institución y abren una oferta prometedora y motivadora a un público que encuentra todas las opciones de inversión.

 

El MOLAA es el único museo en Estados Unidos dedicado exclusivamente al arte de Latinoamérica y fue fundado por el coleccionista Robert Gumbiner con el objetivo de educar al público sobre la expresión plástica de una región, muy poco conocida en este hemisferio. Debe destacarse la función social y de divulgación que la institución desarrolla, la calidad que ofrece y el esfuerzo que requiere su organización. El museo cuenta con una significativa colección permanente, que complementa con exposiciones itinerantes y programas de formación, como también ha creado los PREMIOS MOLAA, incentivo anual para el reconocimiento de los nuevos exponentes del arte de la región.

Catalogo de la subasta

Delia Negro

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septiembre 30, 2008 at 7:51 pm

“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA” – ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA”
ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

Con este título la Fundación Cisneros ha presentado meses atrás parte de su colección en Grey Art Gallery -New York University. Esta fundación que ha orientado sus objetivos hacia la difusión y educación, posee una de las colecciones de arte latinoamericano más importantes.

La abstracción, una corriente de real importancia artística en América del Sur y conectada directamente con el mundo precolombino, ha sido opacada en cierta forma por la fuerza imaginativa popular del Muralismo Mexicano y también por la proliferación de imágenes del Realismo Mágico.

El arte latinoamericano visto desde el punto de vista mediático, evoca una imagen figurativa, colorida y definida, que induce siempre a vincularlo con grandes nombres como el del colombiano Fernando Botero o con los muralistas mexicanos o Frida Kahlo. Pero sin desmerecer los valores innegables de estos plásticos de nuestra cultura, esta exhibición reivindicó y difundió otras corrientes que alcanzaron también niveles de definición de movimientos artísticos dentro de nuestro continente.

Así pues esta corriente de abstracción fue valorada en su justa medida en esta muestra titulada “La geometría de la Esperanza”. Este título encierra dos ideas: un lenguaje visual matemático y preciso, y un idealismo de progreso basado en lo estético…el arte puede cambiar al mundo a través de la razón, el orden y el progreso.

“Ir pues, a un arte autóctono. Repudiar lo importado, reteniendo la enseñanza que pudo darnos. Porque al fin, América debe tener su arte propio: pongamos nosotros la primera piedra. Un solo tronco para el arte y la cultura de América, pero árbol con raíz en lo profundo, del que puedan salir innumerables brotes y ramas. Creo que es la hora de pensar así y de trabajar en tal sentido…un arte capaz de manifestar la esencialidad americana”
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 49

La abstracción como estilo expresivo sentó precedentes en América del Sur desde comienzos del siglo XX y con gran impulso renovador, recibiendo influencias europeas de vanguardia, se concretó en un arte puramente latinoamericano, y el simbolismo precolombino pasó a formar parte fundamental de esta nueva corriente.

Comenzando en Montevideo alrededor de 1930 y continuando en Buenos Aires en los 40, en Sao Paulo y Río de Janeiro en los 50 y 60 y sucesivamente en París y en Caracas, en los 60 y 70, una producción plástica local de auténtica expresión latinoamericana hace su aparición. La inclusión de París dentro de este grupo de ciudades de América del Sur, es debida a los frecuentes desplazamientos de artistas plásticos latinoamericanos a la Meca del arte del momento: la “Ciudad Luz”. En ese entorno referencial y nutriente de nuevas ideas, la creatividad afloraba, aunque manteniendo la autenticidad de los orígenes de la tierra americana. En muchas ocasiones esta abstracción no solamente se desarrolló dentro del ámbito internacional y recibió sus influencias, sino que también contribuyó con notorios aportes.

La “Escuela del Sur”, punto de partida y de referencia del arte abstracto de la región, fue fundada en Montevideo por el maestro Joaquín Torres García, pieza clave de una filosofía de mestizaje cultural, que logró unir la interacción de ideas peninsulares de búsqueda del arte primitivo y renovador, con las ruinas precolombinas portadoras de enseñanzas milenarias, y ocultas hasta el momento para los ojos de la creatividad contemporánea. Este uruguayo de padres inmigrantes españoles, recibió una formación plástica de vanguardia en Barcelona y al trasladarse nuevamente a su tierra natal, creó toda una corriente estético-filosófica llamada por él mismo, Universalismo Constructivo.

Manuel Pailós, Julio Alpuy, José Gurvich, Gonzalo Fonseca son algunos de los exponentes de esa Escuela del Sur, que junto con Torres García sentaron las bases de la naciente abstracción latinoamericana. “Nuestro Norte es el Sur” era su consigna.

Otros exponentes de la abstracción fueron Alfredo Hlito y Tomás Maldonado de Argentina, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez de Venezuela, Gerardo Barros, Waldemar Cordeiro y Helio Oiticica de Brasil, entre los más destacados.

. El creciente interés internacional demostrado por los coleccionistas e inversores en el arte latinoamericano, nos hacen ampliar nuestra visión y nos conducen a una exploración más allá de lo conocido, dando luz sobre una América Latina que también se ha destacado por una expresión artística de abstracción y arte geométrico.

“Por el hecho de pensar en una estructura, es decir, de relación entre los diferentes elementos de una obra para llegar a la unidad estética, el arte se pone en otro plano. En primer lugar se sitúa en lo geométrico (verdadero lenguaje de la plástica). Transpone lo anecdótico a lo universal, se sitúa en la verdad de lo abstracto y por todo esto eleva el tono de la obra dotándola de un espíritu grande”.
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 33.

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LAS ENVOLVENTES MUJERES DE FRANCISCO ZUÑIGA

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LAS ENVOLVENTES MUJERES DE FRANCISCO ZUÑIGA

Dos Mujeres Sentadas

 Costarricense de nacimiento y mexicano de adopción, Francisco Zúñiga nació en 1912 y continuó trabajando casi hasta su muerte acaecida en 1998 en Ciudad de México. Dibujante por excelencia y estudiante permanente de la anatomía humana, celebraba la forma femenina con una repetición casi obsesiva de la línea curva. No se entregaba a una representación figurativa de lo femenino, sino que sintetizaba la imagen y la convertía en volumen, en espacio …en un espacio más afectivo que atmosférico. Casi como tradicionales esferas precolombinas, sus personajes evocan al movimiento del alfarero, a la rutina diaria, a un destino pre-determinado, empaquetado, que las define como vasijas emblemáticas de una misma cultura.

Estos personajes parecen emerger de la tierra lentamente y sin dificultad, y sus volúmenes casi telúricos, no se despegan de ella… permanecen en un estado de flexible integración con el todo, y el bulto no se define, sólo se sugiere, se dilata… sostenido por los rebozos envolventes que empacan la figura y contribuyen al efecto de no desprendimiento.

Estos paños hechos de espacio y movimiento sintetizan y diluyen el lenguaje creativo eliminando formas, que de permanecer, hubiesen enturbiado el propósito casi de alfarero que el artista se proponía.

En piedra como en barro, en acuarela o en pastel, el lenguaje de Zúñiga se concreta en volúmenes casi escultóricos, destacando la figura-tierra, la mujer-fecundidad, la vasija-forma.

Este propósito de ejecución, de crear con las manos y de pulir con el pensamiento, le otorga a la obra de este artista, una honda ternura que revela su interés por algo profundamente humano y unido a lo cotidiano, a la vida del campesino y del hombre común.Ninguna de estas mujeres es vista como una mujer obesa, al contrario, son formas naturales que se concretan en el espacio. Cada una de ellas es una síntesis de su propia cultura y de una idiosincracia cotidiana, es una realidad modelada por la cotidianidad.

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junio 25, 2008 at 2:24 pm

CERVANTEAR… AL ESTILO ROBERTO MATTA

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CERVANTEAR…  AL ESTILO DE ROBERTO MATTA

“Cervantear es alzar la lanza a dos manos en contra de los churrulleros que deslizan entre nosotros sus descarrillados cuentos,cervantear es desgañitarnos en contra de sus desmorroneantes desparpajos hollywoohediondos de pinochetorreas,cervantear es hazañar hazañas y sus helechos en el lecho del hecho…”

“Don Quejados de las Manchas” – Roberto Matta

El 11-11-2011 se cumplirá el centenario del nacimiento de Roberto Matta y con estas líneas nos anticipamos y sumamos al acontecimiento. Este chileno nacido en 1911, un 11 del 11, consideraba esta fecha casi de carácter cabalístico, pero además la leyenda agrega que había nacido a las 11 de la mañana… excelente presentación para uno de los hijos del surrealismo.

Roberto Matta se definía a sí mismo como el “poeta de la expresión plástica”…“mis cuadros son paisajes del inconsciente”

Pintar con palabras….parafrasear con colores era su estilo. Comprometido y convencido con su función, consideraba que la misión del arte es “construir una conciencia” y la del artista es actuar como mediador para que ello se cumpla.

“Yo soy la imagen de un personaje combatiente, que combate en sí mismo y en contra de este mundo”. Como Do Qui, Matta expresa un conflicto entre la necesidad de cambiar el mundo y la necesidad de cambiar su propia vida. Dos locuras geniales se encuentran en la alucinación cotidiana y juegan con la palabra, la imagen y el color.

Matta no ilustra al Quijote, por lo contrario, comparte con él alucinaciones que producen formas y que flotan en un soporte difuso de color.

La función del artista es re-inventar la humanidad y la cultura de la imaginación es el medio para lograrlo.

Don Qui y Qui d’Eux, series de litografías de línea depurada, iluminadas con colores brillantes y trazos definidos e indefinidos en su propia maraña, crean un movimiento constante a las alucinaciones de Don Qui-Matta. Estas alucinaciones afloran en una propuesta surrealista netamente latinoamericana, que recuerda los códices antiguos de civilizaciones milenarias.

“Soy solamente un hombre que atestigua morfológicamnete lo que ve”. Y en una atmósfera difusa que concreta formas, y en la degradación de colores brillantes o sombríos, el artista descubre el camino de la abstracción, partiendo de lo figurativo hacia una síntesis lineal, y destacando siempre masas pictóricas con criterio expresivo, ideológico y visual.

Los pasteles de Matta inspirados en El Quijote también son dignos de ser destacados, composiciones que despliegan su importancia y su lenguaje pictórico alejándose de la definición, en una búsqueda ansiosa de la decoloración y del esfumado, favorecida por el áspero material que parece licuarse en su desplazamiento.

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mayo 22, 2008 at 2:38 am

SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

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SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

“En cuanto a los surcos, los caminos o algunos otros de mis temas habituales, no son más que la Transportación de mis andares”

Joan Hernández Pijuan

Con un lenguaje plástico de profunda sencillez y síntesis, el artista catalán Joan Hernández Pijuan logra trascender la imagen granadina cotidiana, para alcanzar la forma depurada y meditada de un color en su pensamiento. Partiendo de un esbozo figurativo y llevándolo hacia un más allá de carácter filosófico representativo de lo individual, la obra de este artista se concreta en una representación misma de lo colectivo.

Su pintura es el resultado de una larga meditación sobre la naturaleza y su entorno; ella ingresa en el ámbito de lo abstracto sin abandonar completamente la representación inicial de una imagen filtrada a través de repeticiones de formas, de evocaciones, de simplificación representativa de una arquitectura perforada por la naturaleza, por la luz, por el sonido del agua, por los colores ocres de su vegetación. La naturaleza es el centro de su propia experiencia personal e intelectual y constituye el espacio mismo de su creación. La integración y mímesis del artista con ese espacio, lo convierten en el epicentro de la composición; expresión que volcada en un frágil papel japonés y expresada por el acuoso medio del gouache, acompaña la aparición-desaparición de un pensamiento huidizo e inasible. Borrarlo todo y construirlo todo…este parece ser el lema de concreción de una idea; la imagen se debe reducir al máximo para que el espacio cumpla su protagonismo y el silencio lo acompañe.

La superficie de la obra pictórica de Hernández Pijuan conduce al espectador a una ilusión. El espacio pleno del pensamiento sustituye la imagen primaria de una idea, que primero fue forma, pero que se convirtió en síntesis y apertura del mundo interior. Resulta sorprendente el proceso creativo de este artista, que se mueve dentro de una plástica expresiva de pocas líneas, de figuras geométricas de color único y uniforme, de ondulaciones…, casi bordando el paisaje de una filigrana arquitectónica integrada a la naturaleza, y referente de un todo inspirador, el encuentro de dos culturas en el suelo del Al Andalus.


Surcos, celosías, enrejados, luces y sonidos son parte de una memoria almacenada y convertida en parte integrante de su propia esencia. La textura y el pigmento, le sirven al artista para mirar el mundo a la distancia y hacer de la naturaleza el templo de su propia experiencia; experiencia que a su vez se centra en Granada, templo también de síntesis plástico-geométrica de contemplación de lo natural.


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mayo 31, 2007 at 6:22 pm

EL COLOR DE OAXACA y “EL ÁRBOL DE LA VIDA” DE LA IGLESIA DE SANTO DOMINGO

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EL COLOR DE OAXACA y “EL ÁRBOL DE LA VIDA” DE LA IGLESIA DE SANTO DOMINGO


Oaxaca, tierra de magia, de luz y de color, es considerada la capital artística de México. Una fértil imaginación identifica a esta región, dotada de un lenguaje pictórico plagado de imágenes irreales y de colores vivos, en una manifestación viva de exuberante explosión visual.

Se habla frecuentemente de “La Escuela Pictórica de Oaxaca” o de “Oaxaca School”, pero esta expresión no debe ser entendida desde el punto de vista estricto de una escuela pictórica con un estilo propio. Este concepto es mucho más amplio y abarca la manifestación ya tradicional, de la expresión de todo un pueblo y su historia.

Para entender este fenómeno social debemos remitirnos al S. XVI y al momento del encuentro de dos culturas, la indígena y la europea. La confluencia del arte milenario de los nativos, con nuevos temas y nuevas técnicas de expresión plástica introducidas por el conquistador, produjo un arte nuevo, enriquecido en su cotidianeidad artesanal o en su idoneidad experimental.

En la bóveda de la Iglesia de Santo Domingo de Oaxaca encontramos un maravilloso altorrelieve estucado “El árbol de la vida”, manifestación barroca y mestiza de una belleza inimaginable. Fusionados “el árbol de la vida” de los cultos prehispánicos con el “el árbol genealógico” de la orden dominica, se produce una explosión creativa sin precedentes, y una vid y sus racimos de uvas se convierten en figuras humanas, que parecen anticipar y garantizar la reproducción permanente de la semilla artística de los habitantes de Oaxaca.

La congregación religiosa de los dominicos jugó papel fundamental y decisivo en el desarrollo plástico de esta comunidad. Ante la necesidad de construir templos y ornamentarlos en su función evangelizadora, esta orden religiosa convocó a artistas peninsulares de primer nivel en las ramas de la pintura, escultura, arquitectura, etc. Entre los más destacados se encontraban Andrés de la Concha, español y Simón Pereyns, flamenco.

Esta especialidad peninsular unida a la destreza y pericia de los artesanos nativos, hicieron posible y desarrollaron el ambiente propicio para que la plástica se asentara en forma permanente en la región.

Todos estos antecedentes explican el fenómeno social que se vive unos siglos después, pero también producen la situación equívoca que se tome excesiva conciencia de calidad artística y que frecuentemente se desvirtúen las piezas del verdadero arte aoxaqueño. No porque venga de Oaxaca, es sello de calidad plástica. La creatividad juega papel fundamental en la concreción del objeto artístico, tanto en su técnica como en su lenguaje expresivo y este no parece ser el común denominador logrado en toda la producción de la región.

La plástica de Oaxaca se ha convertido en nuestros días en industria artesanal y su producción existe en términos de mercado. Debemos ser críticos a la hora de juzgar y no considerar que todo lo que se incluye dentro de la “Escuela de Oaxaca” es tal. Esta tierra fue bendecida por una formación plástica de altísima calidad y excelentes artistas han sido el resultado de ese fenómeno histórico y social.

Surrealismo, realismo mágico, luz y color, se unen a la naturaleza y a los productos de su tierra; materiales exóticos que posteriormente serán trabajados con la pericia del conocimiento milenario de su tratamiento.

Verdaderos maestros como Rufino Tamayo, Rodolfo Morales, Francisco Toledo, Filemón Santiago, Rodolfo Nieto, como otros más jóvenes, Juan Alcázar Méndez, Miguel Alvarado, Fulgencio Lazo son algunos de los ejemplos que podemos apreciar como verdadero arte de la región.

La conjunción entre la magia innata y lo surreal imaginado, los productos de la tierra y el aporte peninsular, liberan una explosión creativa y producen una estética, que hace asumir y tomar conciencia a los oaxaqueños de su propia modernidad.

Queda entonces a los estudiosos del arte mostrar la excelencia y separar el producto de esa explosión, en una verdadera toma de conciencia de la maestría de ejecución y marcar, haciendo visibles, las verdaderas ramificaciones de esa bóveda de la Iglesia de Santo Domingo de Oaxaca.

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octubre 4, 2006 at 1:08 pm

LA PALETA MÓVIL DE LUIS LÓPEZ CRUZ

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Luis Lopez CruzLA PALETA MÓVIL DE LUIS LÓPEZ CRUZ

 

La obra de este artista peruano es una explosión de color en movimiento, explosión que se aproxima y se aleja, en una danza ritual que envuelve al observador y lo integra a la composición.

Diferentes planos pictóricos se abren en abanico y la mirada se pierde en cada uno de esos estratos, pasando a formar parte de esa superficie dinámica, alegre y comprometida que López Cruz ofrece a su público.

Su superficie pictórica es una invitación a lo colectivo y en ella se escucha una música monocorde y sostenida que avanza y retrocede entre los pasajes montañosos o los desfiladeros de Los Andes peruanos o chilenos.

Su técnica se asienta en los inagotables recursos que ofrece un tipo de vida colectiva y de participación, unida al dominio del campo expresivo y a los medios plásticos requeridos para alcanzar la creación…, creación que no se concretaría totalmente sin ese pensamiento grupal que la origina y sin la observación sostenida que la multiplica.

Los orígenes mestizos de López Cruz están presentes en su pintura y en su interacción con el público, su propuesta invita a participar y la percepción de su significado es una verdadera renovación de vida y de fresco placer visual.

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agosto 18, 2006 at 3:09 am