Archive for the ‘Artistas’ Category
Ariadna y el Señorío de Otazu
Ariadna y el Señorío de Otazu
En un valle del territorio de Navarra, entre terrenos montañosos y verdes planicies, se encuentra el Señorío de Otazu. Innumerables viñedos alineados a distancia, nos trazan una ruta hacia el centro de esta comarca, donde se encuentra el edificio central de la Bodega de Otazu.
La historia y la contemporaneidad se mezclan en un paisaje que ofrece la conjunción de dos tipos de arquitectura. Tanto construcciones de los siglos XV y XVI como edificaciones recientes, comparten un mismo objetivo: respetar la historia a través de la conservación y crear un nuevo entorno artístico basado en una mística que aflore en cada rincón de la construcción.
La elaboración del vino es parte de un patrimonio intangible de la cultura y en esta bodega se ha sabido erigir el escenario adecuado para albergar y dar testimonio de este arte milenario.
El vino y su elaboración nos remontan a legendarias costumbres del Mediterráneo y en la Bodega de Otazu se conjugan la tradición pagana y la cristiana. Al ingresar en su nuevo espacio, el visitante respira una atmósfera mística y se sorprende al encontrar un verdadero templo, una especie de catedral, el perfecto escenario para el dios Dionisos, pero también para un cristianismo que encuentra en el vino la transformación, en la tierra la producción y en sus habitantes la tradición.
Bóvedas sucesivas, naves levemente iluminadas, techos bajos que aumentan la solemnidad dan cabida a toneles de roble perfectamente alineados y enfrentados a un espacio frontal, donde se encuentra una antigua prensa de uva que oficia de altar, rodeada por esculturas contemporáneas que celebran con sus imágenes un continuo homenaje a una deidad: el vino.
Arquitectura antigua y contemporánea, religión, mitos y leyendas se integran en una confluencia de elementos, que muestran una planificación global basada en una filosofía de respeto por el arte y la cultura, como bases para desarrollar un negocio devolviendo a la comunidad lo que a ella pertenece: su cultura.
Este entorno místico nos remite al rito de Dionisos, dios del vino, según la mitología griega. Entre las obras de arte dispuestas en este escenario, encontramos una escultura de Manolo Valdez que se titula Ariadna, verdadero homenaje a la mujer y a la mitología.
Ariadna, hija del Rey Minos, ayuda a Teseo a vencer al Minotauro de Creta y a desandar su camino, proporcionándole un hilo para poder salir del laberinto en el cual éste se encontraba. Pero posteriormente al ser abandonada por Teseo, el dios Dionisos la rescata en la playas del Mediterráneo y se enamora de ella.
Manolo Valdez, dentro de la serie de sus esculturas dedicadas a la mujer, toma el tema de Ariadna y la embriaga en una cabellera que evoca el hilo con el cual ella salvó a Teseo, pero también su pelo evoca el ritual dedicado a Dionisos, en un giro no controlado de un baile ceremonial, en el movimiento estático de la escultura, que participa en este nuevo ritual contemporáneo de la Bodega del Señorío de Otazu.
Expresión sencilla y espectacular de un solo elemento, el cabello, que engloba un concepto de continua creación de una tradición, de un culto sin interrupción.
La arquitectura, las luces, los objetos de arte, el ambiente, la rutina diaria de cada trabajador de la Bodega de Otazu parecen estar en perfecta coordinación para crear y re-crear esa mística perfumada del olor de la uva en su proceso, del color de su maduración y del vaivén de un líquido mágico en cada degustación.
Delia Negro
Nuestro agradecimiento a los Señores Sola-Camps por haber hecho posible esta visita.
MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO (español 1954-2001)
Juan Muñoz, Many Times, 1999. Polyester and resin, Dimensions variable Private Collection. Photo by Jean Luc Lacroix © The Estate of Juan Muñoz, Bilbao 2008
MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO
(español 1954-2001)
Formas humanas casi idénticas, ojos en blanco, multiplicación inquietante de figuras sin pies, imágenes monocromáticas en gris, y un espacio que re-valoriza la superficie vacía y se incorpora como complemento indispensable del grupo escultórico…Su nombre Many Times y su autor el español Juan Muñoz, uno de los grandes escultores de nuestro tiempo, lamentablemente fallecido prematuramente en el año 2001.
La escultura contemporánea ya no es más un volumen independiente; es mucho más, es un contenido y un concepto. Valora el espacio y su entorno, y la superficie donde se ubica es tan importante como su propia materia.
Esta instalación de Juan Muñoz crea por sí misma espacio y silencio, murmullo y superficie. En ella aparecen voces sin sonido, ojos sin pupilas y risas mudas que convocan a un acercamiento casi imposible del espectador, en una inmovilidad inexplicable de cada ser.
Su propuesta invita al observador a integrarse a ese espacio creado y la interacción con el escultor se establece con espontaneidad. Es en ese momento cuando ambos se reconocen a sí mismos como partícipes de un mal general e insoslayable: la incomunicación.
En la obra de Muñoz la soledad del ser humano se hace evidente y la complicidad con su público se hace notoria, en un espacio de multitud, sin voz que se comunique, sin pies que se muevan, sin color que los diferencie, sin nombre que los identifique. En un aislamiento en lo individual, cada una de las figuras nos invita a relacionarnos en una imposibilidad de comunicación infranqueable. Parece ser ésta una parodia de las grandes concentraciones de este nuevo siglo, contrapuesta a las agrupaciones tradicionales de civilizaciones mesoamericanas, donde las comunidades siguen viviendo y obteniendo actualmente, la misma energía milenaria, de la comunicación y la participación.
Ruido y silencio, multitud y soledad, ausencia y presencia, familiaridad y extrañamiento, estatismo y movilidad, así se definen los enigmas narrativos de Juan Muñoz, escenificados en una propuesta escultórica teatral, real e ilusoria de lo cotidiano, en “constante cuestionamiento de la realidad desde la ficción”, según palabras de Sheena Wagstaff curadora de la exhibición itinerante organizada por la Tate Modern de Londres y que en estos meses está recorriendo varios países europeos, como homenaje al escultor desaparecido.
Delia Negro
Lectura recomendada: “Juan Muñoz, interviewed by Paul Schimmel from the book Juan Muñoz” http://www.press.uchicago.edu/Misc/Chicago/042901.html
MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO
MUSEUM OF LATIN AMERICAN ART – MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO – LONG BEACH – CALIFORNIA
El 20 de septiembre el MOLAA ha abierto al público una extensa exhibición de arte contemporáneo latinoamericano, como muestra previa para la subasta que se realizará el 18 y 19 de octubre en el propio museo. Esta subasta anual de Long Beach- California es ya tradicional para el mundo del arte latinoamericano, evento que el MOLAA realiza desde el 2006. Año a año la calidad de las piezas expuestas se ve mejorada, situación que agrega cada vez mayor interés al evento. Su organización aplica un criterio de selección exigente y presenta una propuesta accesible y puesta al día con la realidad latinoamericana, al mismo tiempo que abre oportunidades a los artistas emergentes, en un mercado ávido de renovación. Obras de reconocidos artistas plásticos como también de jóvenes con gran potencial, aparecen desplegadas en las amplias instalaciones de la institución y abren una oferta prometedora y motivadora a un público que encuentra todas las opciones de inversión.
El MOLAA es el único museo en Estados Unidos dedicado exclusivamente al arte de Latinoamérica y fue fundado por el coleccionista Robert Gumbiner con el objetivo de educar al público sobre la expresión plástica de una región, muy poco conocida en este hemisferio. Debe destacarse la función social y de divulgación que la institución desarrolla, la calidad que ofrece y el esfuerzo que requiere su organización. El museo cuenta con una significativa colección permanente, que complementa con exposiciones itinerantes y programas de formación, como también ha creado los PREMIOS MOLAA, incentivo anual para el reconocimiento de los nuevos exponentes del arte de la región.
Delia Negro
“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA” – ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA
«THE GEOMETRY OF HOPE»-«LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA»
ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA
Con este título la Fundación Cisneros ha presentado meses atrás parte de su colección en Grey Art Gallery -New York University. Esta fundación que ha orientado sus objetivos hacia la difusión y educación, posee una de las colecciones de arte latinoamericano más importantes.
La abstracción, una corriente de real importancia artística en América del Sur y conectada directamente con el mundo precolombino, ha sido opacada en cierta forma por la fuerza imaginativa popular del Muralismo Mexicano y también por la proliferación de imágenes del Realismo Mágico.
El arte latinoamericano visto desde el punto de vista mediático, evoca una imagen figurativa, colorida y definida, que induce siempre a vincularlo con grandes nombres como el del colombiano Fernando Botero o con los muralistas mexicanos o Frida Kahlo. Pero sin desmerecer los valores innegables de estos plásticos de nuestra cultura, esta exhibición reivindicó y difundió otras corrientes que alcanzaron también niveles de definición de movimientos artísticos dentro de nuestro continente.
Así pues esta corriente de abstracción fue valorada en su justa medida en esta muestra titulada «La geometría de la Esperanza». Este título encierra dos ideas: un lenguaje visual matemático y preciso, y un idealismo de progreso basado en lo estético…el arte puede cambiar al mundo a través de la razón, el orden y el progreso.
«Ir pues, a un arte autóctono. Repudiar lo importado, reteniendo la enseñanza que pudo darnos. Porque al fin, América debe tener su arte propio: pongamos nosotros la primera piedra. Un solo tronco para el arte y la cultura de América, pero árbol con raíz en lo profundo, del que puedan salir innumerables brotes y ramas. Creo que es la hora de pensar así y de trabajar en tal sentido…un arte capaz de manifestar la esencialidad americana»
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 49
La abstracción como estilo expresivo sentó precedentes en América del Sur desde comienzos del siglo XX y con gran impulso renovador, recibiendo influencias europeas de vanguardia, se concretó en un arte puramente latinoamericano, y el simbolismo precolombino pasó a formar parte fundamental de esta nueva corriente.
Comenzando en Montevideo alrededor de 1930 y continuando en Buenos Aires en los 40, en Sao Paulo y Río de Janeiro en los 50 y 60 y sucesivamente en París y en Caracas, en los 60 y 70, una producción plástica local de auténtica expresión latinoamericana hace su aparición. La inclusión de París dentro de este grupo de ciudades de América del Sur, es debida a los frecuentes desplazamientos de artistas plásticos latinoamericanos a la Meca del arte del momento: la «Ciudad Luz». En ese entorno referencial y nutriente de nuevas ideas, la creatividad afloraba, aunque manteniendo la autenticidad de los orígenes de la tierra americana. En muchas ocasiones esta abstracción no solamente se desarrolló dentro del ámbito internacional y recibió sus influencias, sino que también contribuyó con notorios aportes.
La «Escuela del Sur», punto de partida y de referencia del arte abstracto de la región, fue fundada en Montevideo por el maestro Joaquín Torres García, pieza clave de una filosofía de mestizaje cultural, que logró unir la interacción de ideas peninsulares de búsqueda del arte primitivo y renovador, con las ruinas precolombinas portadoras de enseñanzas milenarias, y ocultas hasta el momento para los ojos de la creatividad contemporánea. Este uruguayo de padres inmigrantes españoles, recibió una formación plástica de vanguardia en Barcelona y al trasladarse nuevamente a su tierra natal, creó toda una corriente estético-filosófica llamada por él mismo, Universalismo Constructivo.
Manuel Pailós, Julio Alpuy, José Gurvich, Gonzalo Fonseca son algunos de los exponentes de esa Escuela del Sur, que junto con Torres García sentaron las bases de la naciente abstracción latinoamericana. «Nuestro Norte es el Sur» era su consigna.
Otros exponentes de la abstracción fueron Alfredo Hlito y Tomás Maldonado de Argentina, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez de Venezuela, Gerardo Barros, Waldemar Cordeiro y Helio Oiticica de Brasil, entre los más destacados.
. El creciente interés internacional demostrado por los coleccionistas e inversores en el arte latinoamericano, nos hacen ampliar nuestra visión y nos conducen a una exploración más allá de lo conocido, dando luz sobre una América Latina que también se ha destacado por una expresión artística de abstracción y arte geométrico.
«Por el hecho de pensar en una estructura, es decir, de relación entre los diferentes elementos de una obra para llegar a la unidad estética, el arte se pone en otro plano. En primer lugar se sitúa en lo geométrico (verdadero lenguaje de la plástica). Transpone lo anecdótico a lo universal, se sitúa en la verdad de lo abstracto y por todo esto eleva el tono de la obra dotándola de un espíritu grande».
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 33.
Delia Negro
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Cartelera de Delia Negro 