Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

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Ariadna y el Señorío de Otazu

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Ariadna y el Señorío de Otazu

En un valle del territorio de Navarra, entre terrenos montañosos y verdes planicies,  se encuentra el Señorío de Otazu. Innumerables viñedos alineados a distancia, nos trazan una ruta hacia el centro de esta comarca, donde se encuentra el edificio central de la Bodega de Otazu.

La historia y la contemporaneidad se mezclan en un paisaje que ofrece la conjunción  de dos tipos de arquitectura. Tanto construcciones de los siglos XV y XVI como edificaciones recientes, comparten un mismo objetivo: respetar la historia a través de la conservación y crear un nuevo entorno artístico basado en una mística que aflore en cada rincón de la construcción.

La elaboración del vino es parte de un patrimonio intangible de la cultura y en esta bodega se ha sabido erigir el escenario adecuado para albergar y dar testimonio de este arte milenario.

El vino y su elaboración nos remontan a legendarias costumbres del Mediterráneo y en la Bodega de Otazu se conjugan la tradición pagana y la cristiana. Al ingresar en su nuevo espacio, el visitante respira una atmósfera mística y se sorprende al encontrar un verdadero templo, una especie de catedral, el perfecto escenario para el dios Dionisos, pero también para un cristianismo que encuentra en el vino la transformación, en la tierra la producción y en sus habitantes la tradición.

Bóvedas sucesivas, naves levemente iluminadas, techos bajos que aumentan la solemnidad dan cabida a toneles de roble perfectamente alineados y enfrentados a un espacio frontal, donde se encuentra una antigua prensa de uva que oficia de altar, rodeada por esculturas contemporáneas que celebran con sus imágenes un continuo homenaje a una deidad: el vino.

Arquitectura antigua y contemporánea, religión, mitos y leyendas se integran en una confluencia de elementos, que muestran una planificación global basada en una filosofía de respeto por el arte y la cultura, como bases para desarrollar un negocio devolviendo a la comunidad lo que a ella pertenece: su cultura.

Este entorno místico nos remite al rito de Dionisos, dios del vino, según la mitología griega. Entre las obras de arte dispuestas en este escenario, encontramos una escultura de Manolo Valdez que se titula Ariadna, verdadero homenaje a la mujer y  a la mitología.

Ariadna, hija del Rey Minos, ayuda a Teseo a vencer al Minotauro de Creta y a desandar su camino, proporcionándole un hilo para poder salir del laberinto en el cual éste se encontraba. Pero posteriormente al ser abandonada por Teseo, el dios Dionisos la rescata en la playas del Mediterráneo y se enamora de ella.

Manolo Valdez, dentro de la serie de sus esculturas dedicadas a la mujer, toma el tema de Ariadna y la embriaga en una cabellera que evoca el hilo con el cual ella salvó a Teseo, pero también su pelo evoca el ritual dedicado a Dionisos, en un giro no controlado de un baile ceremonial, en el movimiento estático de la escultura, que participa en este nuevo ritual contemporáneo de la Bodega del Señorío de Otazu.

Expresión sencilla y espectacular de un solo elemento, el cabello, que engloba un concepto de continua creación de una tradición, de un culto sin interrupción.

La arquitectura, las luces, los objetos de arte, el ambiente, la rutina diaria de cada trabajador de la Bodega de Otazu parecen estar en perfecta coordinación para crear y re-crear esa mística perfumada del olor de la uva en su proceso, del color de su maduración y del vaivén de un líquido mágico en cada degustación.

Delia Negro

Nuestro agradecimiento a los Señores Sola-Camps por haber hecho posible esta visita.

Written by Delia Negro

noviembre 15, 2010 at 2:41 pm

MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO (español 1954-2001)

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Juan Muñoz, Many Times, 1999. Polyester and resin, Dimensions variable Private Collection. Photo by Jean Luc Lacroix © The Estate of Juan Muñoz, Bilbao 2008

Juan Muñoz, Many Times, 1999. Polyester and resin, Dimensions variable Private Collection. Photo by Jean Luc Lacroix © The Estate of Juan Muñoz, Bilbao 2008

MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO
(español 1954-2001)

Formas humanas casi idénticas, ojos en blanco, multiplicación inquietante de figuras sin pies, imágenes monocromáticas en gris, y un espacio que re-valoriza la superficie vacía y se incorpora como complemento indispensable del grupo escultórico…Su nombre Many Times y su autor el español Juan Muñoz, uno de los grandes escultores de nuestro tiempo, lamentablemente fallecido prematuramente en el año 2001.

La escultura contemporánea ya no es más un volumen independiente; es mucho más, es un contenido y un concepto. Valora el espacio y su entorno, y la superficie donde se ubica es tan importante como su propia materia.
Esta instalación de Juan Muñoz crea por sí misma espacio y silencio, murmullo y superficie. En ella aparecen voces sin sonido, ojos sin pupilas y risas mudas que convocan a un acercamiento casi imposible del espectador, en una inmovilidad inexplicable de cada ser.
Su propuesta invita al observador a integrarse a ese espacio creado y la interacción con el escultor se establece con espontaneidad. Es en ese momento cuando ambos se reconocen a sí mismos como partícipes de un mal general e insoslayable: la incomunicación.

En la obra de Muñoz la soledad del ser humano se hace evidente y la complicidad con su público se hace notoria, en un espacio de multitud, sin voz que se comunique, sin pies que  se muevan, sin color que los diferencie, sin nombre que los identifique. En un aislamiento en lo individual, cada una de las figuras nos invita a relacionarnos en una imposibilidad de comunicación infranqueable. Parece ser ésta una parodia de las grandes concentraciones de este nuevo siglo, contrapuesta a las agrupaciones tradicionales de civilizaciones mesoamericanas, donde las comunidades siguen viviendo y obteniendo actualmente, la misma energía milenaria, de la comunicación y la participación.

Ruido y silencio, multitud y soledad, ausencia y presencia, familiaridad y extrañamiento, estatismo y movilidad, así se definen los enigmas narrativos de Juan Muñoz, escenificados en una propuesta escultórica teatral, real e ilusoria de lo cotidiano, en “constante cuestionamiento de la realidad desde la ficción”, según palabras de Sheena Wagstaff curadora de la exhibición itinerante organizada por la Tate Modern de Londres y que en estos meses está recorriendo varios países europeos, como homenaje al escultor desaparecido.

Delia Negro

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Lectura recomendada: “Juan Muñoz, interviewed by Paul Schimmel from the book Juan Muñoz” http://www.press.uchicago.edu/Misc/Chicago/042901.html

Written by Delia Negro

noviembre 16, 2008 at 10:39 pm

MAGDALENA ABAKANOWICZ Y SUS “ABAKANS” DE CHICAGO

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MAGDALENA ABAKANOWICZ Y SUS “ABAKANS” DE CHICAGO

(Si bien esta cartelera está dedicada al arte latinoamericano y español, la obra de esta artista polaca trasciende culturas y merece que se haga una excepción, por su excelencia, por su interacción comunicativa, por su latinidad. Su lenguaje conceptual se acerca a la obra de Jaume Plensa, The Crown Fountain, casualmente situada a pocos metros de distancia.)

My art is a tale of human condition

Magdalena Abakanowicz

En el extremo sur del Grant Park de Chicago, 106 esculturas de hierro se despliegan en un espacio de extensión sorprendente. La instalación presenta un grupo de figuras humanas, que se acercan y se alejan entre sí, en una comunicación que interactúa con el observador y lo invita a participar y a mezclarse al grupo escultórico, pasando a ser parte activa de esa aglomeración…. ÁGORA es su título.

Cada una de estas figuras de hierro, parecen moverse en una dinámica gestual que sugiere discusión, preocupación, argumentación, concentración. Recordando a la antigua Grecia, como su título lo insinúa, estas figuras nos transportan a una representación de lo colectivo… metáfora de ideas compartidas de todo un pueblo, de toda una civilización, que se plantea inquietudes comunes, reuniéndose en un lugar público para la discusión.

Este bosque de torsos humanos en actitud motora, son individuos iguales en su forma, pero diferentes en su textura, en su piel, en su individualidad. Su superficie trabajada mano a mano por la escultora y su equipo, presenta una rugosidad de corteza de tronco de árbol, que nos transporta a la naturaleza, al bosque, y al ágora al mismo tiempo; analogía orgánica que evoca la vida y la supervivencia, basada en la comunicación.

Estos “abakans”, nombre elegido por la propia escultora para sus personajes, se generalizan en el concepto de humanidad, pero al mismo tiempo se particularizan en un derivado de apellido familiar, que los convierte en seres individuales.

Esta obra de Abakanowicz hace referencia a su trayectoria creativa, en una búsqueda de texturas blandas explorada a través materiales textiles, intervenidos por la acción exclusiva del moldeado manual, sin el uso de herramientas mecánicas. Esta agilidad manual es trasladada posteriormente a superficies duras, buscando el desafío de transmitir la energía creativa experimentada por la escultora, repitiendo la acción una y otra vez, creando así el espacio para sus “abakans” en la multitud, sin olvidar la singularidad de cada pieza. La artista conceptualiza la materia dura, revelando el inconciente colectivo, el cual transmite una energía generada en su propia creación.

Transitando de una idea a una forma, de un concepto a una materia, estos “abakans” nos envían un mensaje… la existencia de cada uno de ellos depende del grupo, de su comunicación, de su diálogo y de su acción colectiva.

La experiencia de cada observador debe ser integrarse al grupo escultórico, establecer contacto corporal, táctil y participativo, con una instalación que busca transmitir energía a través de cada superficie, pero que logra su verdadero momento creativo en la unidad de su público con los 106.

Delia Negro

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agosto 9, 2008 at 3:17 pm

THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN – Jaume Plensa

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THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN — Jaume Plensa

Ya por el año 1994, el escultor catalán Jaume Plensa, exploraba vías de expresión plástica renovadoras a través de la escultura del espacio público. Buscando su línea expresiva en el tamaño escultórico tradicional y destacando masa, volumen y materia, su obra se concretaba sin embargo en una propuesta de carácter conceptual, creando así toda una filosofía poética que invitaba a la reflexión. Uno de los resultados de esta búsqueda fue la excepcional escultura The Personal Miraculous Fountain, premiada por Henry Moore Sculpture Trust (1994). Creemos que este hecho debe destacarse por la calidad escultórica de esta pieza y por la relación que esta obra de Plensa tiene con The Crown Fountain, la fuente del mismo autor del Millenium Park de Chicago.

En las décadas posteriores al surgimiento del cubismo, el concepto de escultura va sufriendo una re-definición. Hasta ese momento había significado el proceso de representación de una figura real en tres dimensiones. Sin embargo después de este movimiento artístico, ya no será más la representación de una figura real, sino mental o conceptual. La obra escultórica se fue convirtiendo así en objeto de cuestionamiento, de reflexión, de participación y desplazamiento en su interpretación y fue transformando el espacio físico en campo conceptual.

Es así que la obra de Jaume Plensa The Personal Miraculous Fountain se concreta en su representación en fuente de pensamiento, de comunicación, de encuentro con el otro y proporciona materialidad insinuando oralidad. Esa forma oval voluminosa es el origen de la vida, es un huevo contenedor de memoria que evoca el ciclo del eterno retorno. Ese continuo fluir del agua es la vida que no se detiene. La palabra viva está implícita en la materia que pierde su esencia de solidez, para diluirse en el agua de vida y de devenir cotidiano.

Si bien esta escultura posee todos los méritos para declararla una obra excepcional, cobra fundamental importancia, por significar un antecedente de exploración de otra fuente: The Crown Fountain.

Esta última, culminación de volumen escultórico sólido, pero ahora de materia liviana, constituye un lugar de encuentro en una dinámica de bloques de vidrio que se diluyen en agua de vida y en vida en el agua; seres humanos que se comunican y que expulsan un chorro vital sobre otros de su misma especie con los cuales interactúan; imágenes que convocan y repiten ese rito de vida, de agua, de palabras, de sonido, de participación, que se encadenan con un retorno de su propia vitalidad.

Una fuente, otra fuente… de materia, de agua-vida, de agua-sonido, de palabras, de luz, de génesis, de cosmos, de retorno al embrión…este es el lenguaje plástico y eterno de Jaume Plensa, escultor ya consagrado entre los grandes de nuestro tiempo.

The Personal Miraculous Fountain, es símbolo de modernidad y arte conceptual, es génesis de lugar de encuentro, es un antecedente de la fuente de Jaume Plensa, The Crown Fountain del Millenium Park de la ciudad de Chicago.

Delia Negro

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marzo 27, 2007 at 2:01 am

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

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PABLO ATCHUGARRY …

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

Atraído por una sensibilidad vivencial de inmigrante, heredada de sus antepasados inmediatos, el escultor uruguayo Pablo Atchugarry orienta su quehacer artístico hacia un encuentro con una de las fuentes originales del arte estatuario, la tierra italiana y el mármol de Carrara. Estos dos componentes serán reveladores del quehacer creativo del artista y acelerarán un proceso evolutivo de su sensibilidad, que buscaba encontrar vías de expresión más significativas en la materia y en la tercera dimensión, dentro de un espacio profundo y envolvente.

Ya en tierra italiana y en pleno proceso de exploración, las circunstancias lo llevan a recibir un pedido de una escultura en mármol de Carrara y es así que la materia viene a su encuentro para sellar una vinculación definitiva y permanente del artista con esa piedra mágica, la cual es en la actualidad, su mayor motivo de inspiración. Su inteligencia creadora se concreta entonces en una labor sin retorno, en una búsqueda constante de transparencia y pureza, de movimiento y verticalidad, de comunicación y síntesis, entre la escultura clásica y la contemporánea.

Atchugarry comienza su trabajo eligiendo él mismo su materia prima: el mármol más puro y traslúcido que se extrae en la región. Ese bloque de piedra le transmite una energía especial y una emoción, que le permiten adentrarse en ella y descubrir el significado que ella encierra.

La obra de este escultor es una síntesis de pensamiento y emoción, de imagen plástica y verticalidad, de espacio y luz, de pureza estética mediterránea, de liviana percepción visual, que se definen en un movimiento milenario de pliegues en tensión, que definen un estilo, una personalidad y un mensaje individual hacia lo colectivo.

Su honestidad intelectual y su perseverancia en la búsqueda de la forma, lo llevan a concebir un lenguaje estético compartido con los trabajadores de las canteras…ellos son parte importante de la elección de cada bloque, ellos son parte de la iniciación del proceso creativo. A continuación, la misión del artista es liberar la forma, haciendo intervenir a su imaginación, sensibilidad e inteligencia creativa.

“Soñando la paz” es una instalación de ocho esculturas, presentada por el artista en la 50 Bienal de Venecia en el año 2003. Esta obra es una danza blanca de líneas verticales, que eleva sus formas hasta un espacio desconocido, y que canta, pidiendo y buscando una unidad. Ella demuestra una vez más, cómo la plástica puede pensar en la paz y contribuir con ella. “Soñando la paz” es una obra individual y de pensamiento único, que sin embargo puede convertirse en colectivo, al ser expuesto en un espacio “coral” (usando palabras del artista) y comunicador. Sencillamente otro Guernica que denuncia con una tensión estética y grupal, colectiva y sonora.

Actualmente Pablo Atchugarry mantiene dos talleres entre los cuales distribuye su tiempo creativo, uno en Lecco, Italia, cerca de Carrara y otro en Manantiales, cerca de Punta del Este, Uruguay. Es así que el artista mezcla el aire del Lago di Como, presencia permanente en su infancia y añorada por una abuela italiana que la alimentaba, con el aire puro de una tierra todavía salvaje y natural, de arenales y océano, sobre el Atlántico Sur, que le proporciona el ambiente adecuado para liberar su creatividad y seguir soñando con la paz….desde su estudio y desde su mundo interior.

DELIA NEGRO

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febrero 13, 2007 at 2:53 pm

JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

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JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

La Academia delle Arti del Disegno de Florencia ha incorporado como miembro activo de esa institución al escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia. Como primer artista latinoamericano que recibe ese honor, Jiménez Deredia puede ser definido también como pensador y filósofo. Su obra es el producto de una reflexión profunda sobre sus orígenes, y tanto su plástica como su vida se convierten en una recuperación del pensamiento vivido y heredado, de una cultura ancestral. Su utopía es recuperar la esencia del ser y el sentido de la circularidad, que lo conducen directamente a los orígenes del hombre. Su expresión plástica se conecta con la visión simbólica del pasado; lo recupera, lo incorpora y lo comparte con el espectador, en una retrospección colectiva de carácter circular.

Jorge Jiménez nació en el pueblo de Heredia en territorio costarricense y ese afán de volver al punto inicial de ese todo esférico y circular, lo lleva a adoptar como segundo apellido el lugar de sus orígenes. Es así que Jiménez Deredia trasciende su herencia familiar, profundizando su búsqueda en el devenir histórico de los Borucas, pobladores del suroeste de Costa Rica en la época precolombina.

La filosofía de este escultor se inicia en la observación de emblemáticas esferas precolombinas de una antigua civilización de hace más de 4000 años.

El impacto racional de estas imágenes, el círculo, la esfera y la forma cerrada resultante, marcan en él el inicio de una incansable búsqueda geométrica hacia la medida, el orden, la exactitud en la proporción, tanto en la vida como en la expresión plástica. Esta exploración lo llevará a Italia y a residir cerca de Carrara, y será allí donde encontrará los materiales y el ambiente propicio, para cerrar y unir los dos extremos de ese círculo expresivo, plástico y racional iniciado un día en su tierra natal.

Su vida es una constante investigación metafórica a través del arte, durante la cual recorre la idea de inicio y final en cada creación y para la cual se siente llamado por una fuerza vital de esférico creativa ineludible.

El concepto de la transmutación de la materia, lo lleva a alcanzar la casi desaparición de la misma, despojando al mármol o al bronce de sus propiedades esenciales, el peso o la rigidez, haciéndolos flotar en una sola forma, la esférica, origen de todas las cosas. En el sentido de la transmutación se encuentra el significado mismo de la transformación de la vida y en este escultor el proceso creativo es el motor de la imagen volumétrica.


La reciente exposición del mundo geométrico-figurativo de Jiménez Heredia en los Jardines del Bobolli en Florencia, dio lugar a ese reconocimiento de la Academia delle Arti del Disegno. En ese verde y artístico escenario, la naturaleza hizo suya cada pieza escultórica, incorporándola a su esencia vital, reintegrándola a su mundo vegetal y a su constante transmutación…uniendo así dos extremos de una filosofía que nace en el mundo de los Borucas y que se completa en el orden, equilibrio y transparencia de las tierras de Carrara.

Delia Negro

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noviembre 25, 2006 at 9:49 pm

EL DIÁLOGO DE LA FUENTE DE JAUME PLENSA – CHICAGO

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EL DIÁLOGO DE LA FUENTE DE JAUME PLENSA – CHICAGO

 

vea fotos de la fuente en flickr (etiqueta : jaume plensa)

Dos estructuras transparentes de purísimos bloques de vidrio se alzan frente a frente, sobre una superficie plana y extensa de granito negro. Un espacio vacío y luminoso, cubierto por un velo acuático que se desliza y escurre, separa estas estructuras, creando reflejos brillantes y opacos sobre la superficie. En esas formas prismáticas de agua pura y sólida a la vez, aparecen proyectados rostros de habitantes de la ciudad, que sonríen, que expresan preocupación, cansancio o alegría, que transmiten estados de ánimo, que viven… en el vidrio, en el agua, en la imagen.

Cada expresión facial, oficiando como mítica y tradicional gárgola, multiplica significados y plantea un nuevo diálogo que invita a participar al espectador, el cual debe estar dispuesto a colaborar y a entrar en el juego. Y es en esa participación e incorporación del observador, que la escultura se completa y el hecho artístico alcanza su culminación. El público ingresa a ese espacio vacío, a ese escenario y pierde sus inhibiciones, comienza a expresarse naturalmente; es así que la dinámica expresiva se incorpora a ese todo y continúa creando el hecho artístico y multiplicándolo en cada observador que se suma al acontecimiento. El espectador pasa entonces a ser parte integrante del lenguaje estético.

Y esa magia se transmite y se contagia, la fuente de Jaume Plensa ahoga el ruido de la ciudad y convoca a la comunidad a la participación y a la interacción, rescata actitudes y posturas perdidas en la memoria colectiva; cada persona olvida la vereda de enfrente y se suma al rumor del agua, de la naturaleza; cada persona se mira a sí mismo y abandona, por un tiempo al menos, la postura rutinaria y obligada que exige el mundo de hoy. La escultura está relacionada con el tiempo de cada uno y el tiempo es la esencia del trabajo de Plensa.

Propagación del yo, extensión de sí mismo, prolongación del individuo, es la invitación que nos formula esta nueva escultura, que se suma al acerbo artístico de la ciudad de Chicago. Ella nos sugiere la comunicación, concepto paradójicamente tan olvidado en esta era de las comunicaciones; pero nos sugiere una comunicación distinta: intimista y colectiva. En la Fuente Crown el significado de comunidad cobra importancia, como “cercana vecindad” y como “diversidad internacional intercomunicada”. La palabra no es pronunciada, pero está ahí, latente en cada rostro y sugerida por la imagen cambiante de cada estructura. Ella es el vehículo de cada individuo para salir de sí mismo y para alcanzar al otro, mientras que los gestos engalanan y complementan esa expresión.

Jaume Plensa ha creado una fuente que habla y la tecnología le ha servido para plasmar su idea, para lograr esas transformaciones faciales que complementan la imagen, la definen y la concretan. La propuesta del escultor catalán es discurso literario y coloquial, poético y narrativo, íntimo y público. Es que a Plensa le gustan las dualidades: líquido y sólido, rumor y silencio, vacío y materia, transparencia y color.

Este nuevo concepto sobre el uso del espacio público es producto de una revisión de la función que cumple la escultura, revisión digna de este nuevo siglo que estamos comenzando, que hace del Millennium Park de Chicago un espacio de vanguardia y un objeto artístico en sí mismo, un museo abierto y palpable. Para el artista catalán la escultura ya no es más una forma, es un contenido. El mundo ha cambiado y la obra de arte pasa a observarse como el plano de un proceso del pensamiento.

La escultura no ocupa un lugar en el parque, sino que lo crea; y este espacio vacío concebido por Plensa, convoca, habla y comunica, crea el silencio. Toda fuente es un punto de encuentro, pero el cambio en este caso, radica en que el uso creativo del espacio público la transforma de materia en contenido. Esta fuente transmite un mensaje.

Tradicionalmente una fuente ha sido vista como lugar de encuentro, como caudal de vida, como objeto intocable, digno de ser observado como objeto museístico. Como nos decía Manuel Machado la fuente… “no se callaba…saltaba, charlaba” pero “nadie sabía lo que decía”. Con la propuesta de Plensa el cambio es radical, el objeto artístico del espacio público deja de ser forma para pasar a ser contenido, ya no es materia solamente, sino que es concepto, idea y pensamiento; recibimos el mensaje, hemos descifrado su lenguaje.

El escultor catalán usa la forma, el color, el agua, el vidrio, la luz, la tecnología como vías de expresión de sí mismo y de la comunidad. El encuentro entre el objeto artístico y el destinatario se produce y el puente se establece.

La fuente de Plensa es fuente de agua, pero es también fuente de comunicación, de energía, de vida, de belleza… pero de la belleza que emana de las ideas. Es el triunfo del individuo sobre la materia.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

agosto 27, 2006 at 6:50 pm