Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

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MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO (español 1954-2001)

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Juan Muñoz, Many Times, 1999. Polyester and resin, Dimensions variable Private Collection. Photo by Jean Luc Lacroix © The Estate of Juan Muñoz, Bilbao 2008

Juan Muñoz, Many Times, 1999. Polyester and resin, Dimensions variable Private Collection. Photo by Jean Luc Lacroix © The Estate of Juan Muñoz, Bilbao 2008

MANY TIMES – JUAN MUÑOZ Y LA ESCULTURA DEL MURMULLO Y EL SILENCIO
(español 1954-2001)

Formas humanas casi idénticas, ojos en blanco, multiplicación inquietante de figuras sin pies, imágenes monocromáticas en gris, y un espacio que re-valoriza la superficie vacía y se incorpora como complemento indispensable del grupo escultórico…Su nombre Many Times y su autor el español Juan Muñoz, uno de los grandes escultores de nuestro tiempo, lamentablemente fallecido prematuramente en el año 2001.

La escultura contemporánea ya no es más un volumen independiente; es mucho más, es un contenido y un concepto. Valora el espacio y su entorno, y la superficie donde se ubica es tan importante como su propia materia.
Esta instalación de Juan Muñoz crea por sí misma espacio y silencio, murmullo y superficie. En ella aparecen voces sin sonido, ojos sin pupilas y risas mudas que convocan a un acercamiento casi imposible del espectador, en una inmovilidad inexplicable de cada ser.
Su propuesta invita al observador a integrarse a ese espacio creado y la interacción con el escultor se establece con espontaneidad. Es en ese momento cuando ambos se reconocen a sí mismos como partícipes de un mal general e insoslayable: la incomunicación.

En la obra de Muñoz la soledad del ser humano se hace evidente y la complicidad con su público se hace notoria, en un espacio de multitud, sin voz que se comunique, sin pies que  se muevan, sin color que los diferencie, sin nombre que los identifique. En un aislamiento en lo individual, cada una de las figuras nos invita a relacionarnos en una imposibilidad de comunicación infranqueable. Parece ser ésta una parodia de las grandes concentraciones de este nuevo siglo, contrapuesta a las agrupaciones tradicionales de civilizaciones mesoamericanas, donde las comunidades siguen viviendo y obteniendo actualmente, la misma energía milenaria, de la comunicación y la participación.

Ruido y silencio, multitud y soledad, ausencia y presencia, familiaridad y extrañamiento, estatismo y movilidad, así se definen los enigmas narrativos de Juan Muñoz, escenificados en una propuesta escultórica teatral, real e ilusoria de lo cotidiano, en “constante cuestionamiento de la realidad desde la ficción”, según palabras de Sheena Wagstaff curadora de la exhibición itinerante organizada por la Tate Modern de Londres y que en estos meses está recorriendo varios países europeos, como homenaje al escultor desaparecido.

Delia Negro

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Lectura recomendada: “Juan Muñoz, interviewed by Paul Schimmel from the book Juan Muñoz” http://www.press.uchicago.edu/Misc/Chicago/042901.html

Written by Delia Negro

noviembre 16, 2008 at 10:39 pm

THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN – Jaume Plensa

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THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN — Jaume Plensa

Ya por el año 1994, el escultor catalán Jaume Plensa, exploraba vías de expresión plástica renovadoras a través de la escultura del espacio público. Buscando su línea expresiva en el tamaño escultórico tradicional y destacando masa, volumen y materia, su obra se concretaba sin embargo en una propuesta de carácter conceptual, creando así toda una filosofía poética que invitaba a la reflexión. Uno de los resultados de esta búsqueda fue la excepcional escultura The Personal Miraculous Fountain, premiada por Henry Moore Sculpture Trust (1994). Creemos que este hecho debe destacarse por la calidad escultórica de esta pieza y por la relación que esta obra de Plensa tiene con The Crown Fountain, la fuente del mismo autor del Millenium Park de Chicago.

En las décadas posteriores al surgimiento del cubismo, el concepto de escultura va sufriendo una re-definición. Hasta ese momento había significado el proceso de representación de una figura real en tres dimensiones. Sin embargo después de este movimiento artístico, ya no será más la representación de una figura real, sino mental o conceptual. La obra escultórica se fue convirtiendo así en objeto de cuestionamiento, de reflexión, de participación y desplazamiento en su interpretación y fue transformando el espacio físico en campo conceptual.

Es así que la obra de Jaume Plensa The Personal Miraculous Fountain se concreta en su representación en fuente de pensamiento, de comunicación, de encuentro con el otro y proporciona materialidad insinuando oralidad. Esa forma oval voluminosa es el origen de la vida, es un huevo contenedor de memoria que evoca el ciclo del eterno retorno. Ese continuo fluir del agua es la vida que no se detiene. La palabra viva está implícita en la materia que pierde su esencia de solidez, para diluirse en el agua de vida y de devenir cotidiano.

Si bien esta escultura posee todos los méritos para declararla una obra excepcional, cobra fundamental importancia, por significar un antecedente de exploración de otra fuente: The Crown Fountain.

Esta última, culminación de volumen escultórico sólido, pero ahora de materia liviana, constituye un lugar de encuentro en una dinámica de bloques de vidrio que se diluyen en agua de vida y en vida en el agua; seres humanos que se comunican y que expulsan un chorro vital sobre otros de su misma especie con los cuales interactúan; imágenes que convocan y repiten ese rito de vida, de agua, de palabras, de sonido, de participación, que se encadenan con un retorno de su propia vitalidad.

Una fuente, otra fuente… de materia, de agua-vida, de agua-sonido, de palabras, de luz, de génesis, de cosmos, de retorno al embrión…este es el lenguaje plástico y eterno de Jaume Plensa, escultor ya consagrado entre los grandes de nuestro tiempo.

The Personal Miraculous Fountain, es símbolo de modernidad y arte conceptual, es génesis de lugar de encuentro, es un antecedente de la fuente de Jaume Plensa, The Crown Fountain del Millenium Park de la ciudad de Chicago.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

marzo 27, 2007 at 2:01 am

EL DIÁLOGO DE LA FUENTE DE JAUME PLENSA – CHICAGO

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EL DIÁLOGO DE LA FUENTE DE JAUME PLENSA – CHICAGO

 

vea fotos de la fuente en flickr (etiqueta : jaume plensa)

Dos estructuras transparentes de purísimos bloques de vidrio se alzan frente a frente, sobre una superficie plana y extensa de granito negro. Un espacio vacío y luminoso, cubierto por un velo acuático que se desliza y escurre, separa estas estructuras, creando reflejos brillantes y opacos sobre la superficie. En esas formas prismáticas de agua pura y sólida a la vez, aparecen proyectados rostros de habitantes de la ciudad, que sonríen, que expresan preocupación, cansancio o alegría, que transmiten estados de ánimo, que viven… en el vidrio, en el agua, en la imagen.

Cada expresión facial, oficiando como mítica y tradicional gárgola, multiplica significados y plantea un nuevo diálogo que invita a participar al espectador, el cual debe estar dispuesto a colaborar y a entrar en el juego. Y es en esa participación e incorporación del observador, que la escultura se completa y el hecho artístico alcanza su culminación. El público ingresa a ese espacio vacío, a ese escenario y pierde sus inhibiciones, comienza a expresarse naturalmente; es así que la dinámica expresiva se incorpora a ese todo y continúa creando el hecho artístico y multiplicándolo en cada observador que se suma al acontecimiento. El espectador pasa entonces a ser parte integrante del lenguaje estético.

Y esa magia se transmite y se contagia, la fuente de Jaume Plensa ahoga el ruido de la ciudad y convoca a la comunidad a la participación y a la interacción, rescata actitudes y posturas perdidas en la memoria colectiva; cada persona olvida la vereda de enfrente y se suma al rumor del agua, de la naturaleza; cada persona se mira a sí mismo y abandona, por un tiempo al menos, la postura rutinaria y obligada que exige el mundo de hoy. La escultura está relacionada con el tiempo de cada uno y el tiempo es la esencia del trabajo de Plensa.

Propagación del yo, extensión de sí mismo, prolongación del individuo, es la invitación que nos formula esta nueva escultura, que se suma al acerbo artístico de la ciudad de Chicago. Ella nos sugiere la comunicación, concepto paradójicamente tan olvidado en esta era de las comunicaciones; pero nos sugiere una comunicación distinta: intimista y colectiva. En la Fuente Crown el significado de comunidad cobra importancia, como “cercana vecindad” y como “diversidad internacional intercomunicada”. La palabra no es pronunciada, pero está ahí, latente en cada rostro y sugerida por la imagen cambiante de cada estructura. Ella es el vehículo de cada individuo para salir de sí mismo y para alcanzar al otro, mientras que los gestos engalanan y complementan esa expresión.

Jaume Plensa ha creado una fuente que habla y la tecnología le ha servido para plasmar su idea, para lograr esas transformaciones faciales que complementan la imagen, la definen y la concretan. La propuesta del escultor catalán es discurso literario y coloquial, poético y narrativo, íntimo y público. Es que a Plensa le gustan las dualidades: líquido y sólido, rumor y silencio, vacío y materia, transparencia y color.

Este nuevo concepto sobre el uso del espacio público es producto de una revisión de la función que cumple la escultura, revisión digna de este nuevo siglo que estamos comenzando, que hace del Millennium Park de Chicago un espacio de vanguardia y un objeto artístico en sí mismo, un museo abierto y palpable. Para el artista catalán la escultura ya no es más una forma, es un contenido. El mundo ha cambiado y la obra de arte pasa a observarse como el plano de un proceso del pensamiento.

La escultura no ocupa un lugar en el parque, sino que lo crea; y este espacio vacío concebido por Plensa, convoca, habla y comunica, crea el silencio. Toda fuente es un punto de encuentro, pero el cambio en este caso, radica en que el uso creativo del espacio público la transforma de materia en contenido. Esta fuente transmite un mensaje.

Tradicionalmente una fuente ha sido vista como lugar de encuentro, como caudal de vida, como objeto intocable, digno de ser observado como objeto museístico. Como nos decía Manuel Machado la fuente… “no se callaba…saltaba, charlaba” pero “nadie sabía lo que decía”. Con la propuesta de Plensa el cambio es radical, el objeto artístico del espacio público deja de ser forma para pasar a ser contenido, ya no es materia solamente, sino que es concepto, idea y pensamiento; recibimos el mensaje, hemos descifrado su lenguaje.

El escultor catalán usa la forma, el color, el agua, el vidrio, la luz, la tecnología como vías de expresión de sí mismo y de la comunidad. El encuentro entre el objeto artístico y el destinatario se produce y el puente se establece.

La fuente de Plensa es fuente de agua, pero es también fuente de comunicación, de energía, de vida, de belleza… pero de la belleza que emana de las ideas. Es el triunfo del individuo sobre la materia.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

agosto 27, 2006 at 6:50 pm

MÓNICA SARMIENTO Y SU NATURALEZA GEOMÉTRICA

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Artista : Mónica Sarmiento

Publicado en : Revista ContratiempoRuna Hombres

MÓNICA SARMIENTO Y SU NATURALEZA GEOMÉTRICA

“La geometría es como un teclado de lenguaje gráfico: curvas, regulares o no, rectas, ángulos, circunferencias, arcos… son los pocos elementos universales con que se puede expresar todo”

“Con el arte constructivo, pues, no rezan las clasificaciones ordinarias del arte. Cada obra es una idea que tiene su desarrollo y su vida, tal como las diferentes formas de vida de la naturaleza. Y en esa identidad es donde hemos creído hallar la base o soporte de nuestra teoría”

Universalismo Constructivo- Joaquín Torres García

Geometría y naturaleza, textura y color, ritmo y movimiento son los conceptos que definen la plástica de Mónica Sarmiento. La sinfonía torresgarciana del Universalismo Constructivo suena como cadencia de vibrante color, tanto en su paleta, como en su superficie pictórica; detrás del soporte de cada una de las obras de esta artista ecuatoriana se vislumbra toda una idea de filosofía expresiva.

Latinoamericana de nacimiento pero radicada en España desde hace algunos años, Sarmiento parecería acercar esas dos orillas de cultura en espejo, en la misma forma que lo hiciera el gran maestro del constructivismo.

En su búsqueda de paz y armonía de lo universal, la artista recurre a la naturaleza como fuente de transformación de lo cotidiano. Su lenguaje plástico es un diálogo con lo natural. Sus composiciones dinámicas incorporan objetos de la naturaleza que le permiten crear un relieve casi escultórico de la superficie tratada; formas que nos remiten al arte precolombino se mezclan y plantean un discurso permanente con lo ancestral del continente americano. Los colores de la tierra y los elementos naturales que la acompañan, son motivo de inspiración para la artista y a su vez hacen tangible cada uno de los elementos que ella incorpora.

Formas, espacios y colores crean imágenes visuales de profunda creatividad y de tranquilos y suaves movimientos, que nos remiten a lo orgánico y al origen de todas las cosas. Su cromatismo es cálido y vibrante, y presenta la abstracción y la pureza de lo no explorado. El resultado visual se torna sugerente e invita al espectador a compartir esa calma de lo recién creado.

Habiendo explorado y perfeccionado diferentes técnicas expresivas, como la aerografía, el pirograbado, la serigrafía, el repujado en metales, la pintura sobre vidrio; será sin embargo el collage, la técnica que le permitirá a la artista alcanzar, la mezcla matérica y plástica buscada por su impulso expresivo y su lenguaje creador.

Mónica Sarmiento busca su propia identidad por el camino de la abundancia de la tierra y de la reiteración de las formas, por la vía de una gama cálida y de un ritmo atemporal, y es así finalmente como encuentra su propio lenguaje de innovación y creatividad.

“Entrados en un orden universal, lo individual y lo étnico desaparecen; y no preguntamos ya quien hizo tal cosa y en qué tiempo. Todas estas divagaciones, ¿de qué nos han servido? Primero: para no volver a la dependencia, al reflejo de Europa. Y esto ya es mucho. Segundo: para partir de bases bien concretas. Y ahora, situados en el plano de la plástica pura, ¿qué vamos a hacer? Nada preconcebido, sino lo que tenga que salir. Lo que saldrá con la vuelta a la fe en algo”

 

Universalismo Constructivo- Joaquín Torres García

Delia Negro

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Written by Delia Negro

agosto 9, 2006 at 4:20 am