Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

Archive for the ‘Latinoamerica’ Category

WELCOME TO CHICAGO BALLPLAYERS, GODS AND RAINMAKERS

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WELCOME TO CHICAGO BALLPLAYERS, GODS AND RAINMAKERS

¨ La cultura indígena de América fue una cultura interrumpida y la América deseada fue la América destruida ¨ . Carlos Fuentes (Iberoamérica)

El 16 de septiembre el Art Institute of Chicago abre sus puertas a una exhibición sin precedentes de esculturas mesoamericanas, en el año del bicentenario de la independencia de México del poder colonialista español y del centenario de la Revolución Mexicana de 1910.
Ese nuevo espacio plagado de luz y de modernidad del Art Institute of Chicago da la bienvenida a esculturas milenarias, Jugadores de Pelota, Dioses y Proveedores de la Lluvia, que parecen entrar al recinto abriéndose camino triunfal frente a un acervo museístico tradicional, que poco ha destacado el arte primitivo mesoamericano como fuente de conocimiento.
Entre el azul plumífero del quetzal, el verde jade de la piedra y el rojo sangre de los sacrificios, cada escultura emerge de la tierra madre como una representación viviente de esa constancia de siglos, de ese ritmo cósmico establecido entre el hombre y la naturaleza. Cada una de ellas parece recordar al observador, que el equilibrio cósmico se ha desajustado y que su existencia ha sido olvidada por siglos.
Este simbolismo de correspondencias entre el ser humano y el orden natural, era el pensamiento dominante de los habitantes del territorio mesoamericano en el siglo XVI. Cada elemento que la tierra ofrecía era un regalo que el hombre debía recibir con el compromiso de preservarlo; cuidarlo y prestigiarlo eran las razones de su propia existencia.
El hombre de Mesoamérica pasó de nómade a sedentario, de guerrero a agricultor, y en ese nuevo espacio de permanencia debió organizarse imitando el escenario natural en el que le tocaba vivir.
Cada una de sus actividades estaba organizada con el objetivo de mantener ese
orden natural del cosmos y la comunidad cumplía su misión hasta la excelencia. Cada uno de sus gobernantes o jefes de la comunidad tenía la responsabilidad de cuidar ese orden inviolable que los dioses exigían. El culto, los sacrificios, las ofrendas, las edificaciones y hasta los juegos de pelota estaban destinados a la glorificación de cada deidad. En este proceso de cumplimiento de un destino sin opciones, la expresión artística se multiplicaba en la adoración y en un lenguaje estético cada vez más refinado. Fue así que las piedras preciosas, las plumas, los colores se mezclaron en una ofrenda cotidiana a los representantes de los poderes regeneradores o destructores de cada fenómeno natural, de beneficio o castigo según la conducta humana.
Es así que esta exposición organizada por el Art Institute of Chicago, el Museo de Antropología de México y el Museo Arqueológico de Xalapa, tiene un significado muy relevante, no solamente por los hechos históricos que conmemora, sino por su contenido y su filosofía. Su apreciación nos remite a una estética primitiva y cada imagen remarca un objetivo con el cual nos identificamos en este siglo XXI: la pérdida del control de nuestro ambiente natural y la dificultad de crear conciencia entre nosotros mismos.
La representación del dios Tlaloc nos da la bienvenida en la entrada del Museo Antropológico de Ciudad de México, su imagen es el agua, Tlaloc es ¨néctar de la tierra en lengua nahualt; ¡el agua!…una de las mayores preocupaciones contemporáneas.
Ya a principios del siglo XX muchos visionarios buscaban el arte primitivo como fuente de inspiración para su expresión estética, …..¿estaremos nosotros también a principios de un nuevo siglo, volviendo nuestras miradas hacia fuentes de sabiduría milenaria para enfrentar los difíciles tiempos que se avecinan?, ¿ estaremos reivindicando a esa América destruida e interrumpida?
¡Bienvenidos a Chicago Jugadores de Pelota, Dioses y Proveedores de la Lluvia!

DELIA NEGRO

Este articulo fue publicado en www.arteyvidachicago.com

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Written by Delia Negro

septiembre 26, 2010 at 8:07 pm

“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA” – ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA”
ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

Con este título la Fundación Cisneros ha presentado meses atrás parte de su colección en Grey Art Gallery -New York University. Esta fundación que ha orientado sus objetivos hacia la difusión y educación, posee una de las colecciones de arte latinoamericano más importantes.

La abstracción, una corriente de real importancia artística en América del Sur y conectada directamente con el mundo precolombino, ha sido opacada en cierta forma por la fuerza imaginativa popular del Muralismo Mexicano y también por la proliferación de imágenes del Realismo Mágico.

El arte latinoamericano visto desde el punto de vista mediático, evoca una imagen figurativa, colorida y definida, que induce siempre a vincularlo con grandes nombres como el del colombiano Fernando Botero o con los muralistas mexicanos o Frida Kahlo. Pero sin desmerecer los valores innegables de estos plásticos de nuestra cultura, esta exhibición reivindicó y difundió otras corrientes que alcanzaron también niveles de definición de movimientos artísticos dentro de nuestro continente.

Así pues esta corriente de abstracción fue valorada en su justa medida en esta muestra titulada “La geometría de la Esperanza”. Este título encierra dos ideas: un lenguaje visual matemático y preciso, y un idealismo de progreso basado en lo estético…el arte puede cambiar al mundo a través de la razón, el orden y el progreso.

“Ir pues, a un arte autóctono. Repudiar lo importado, reteniendo la enseñanza que pudo darnos. Porque al fin, América debe tener su arte propio: pongamos nosotros la primera piedra. Un solo tronco para el arte y la cultura de América, pero árbol con raíz en lo profundo, del que puedan salir innumerables brotes y ramas. Creo que es la hora de pensar así y de trabajar en tal sentido…un arte capaz de manifestar la esencialidad americana”
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 49

La abstracción como estilo expresivo sentó precedentes en América del Sur desde comienzos del siglo XX y con gran impulso renovador, recibiendo influencias europeas de vanguardia, se concretó en un arte puramente latinoamericano, y el simbolismo precolombino pasó a formar parte fundamental de esta nueva corriente.

Comenzando en Montevideo alrededor de 1930 y continuando en Buenos Aires en los 40, en Sao Paulo y Río de Janeiro en los 50 y 60 y sucesivamente en París y en Caracas, en los 60 y 70, una producción plástica local de auténtica expresión latinoamericana hace su aparición. La inclusión de París dentro de este grupo de ciudades de América del Sur, es debida a los frecuentes desplazamientos de artistas plásticos latinoamericanos a la Meca del arte del momento: la “Ciudad Luz”. En ese entorno referencial y nutriente de nuevas ideas, la creatividad afloraba, aunque manteniendo la autenticidad de los orígenes de la tierra americana. En muchas ocasiones esta abstracción no solamente se desarrolló dentro del ámbito internacional y recibió sus influencias, sino que también contribuyó con notorios aportes.

La “Escuela del Sur”, punto de partida y de referencia del arte abstracto de la región, fue fundada en Montevideo por el maestro Joaquín Torres García, pieza clave de una filosofía de mestizaje cultural, que logró unir la interacción de ideas peninsulares de búsqueda del arte primitivo y renovador, con las ruinas precolombinas portadoras de enseñanzas milenarias, y ocultas hasta el momento para los ojos de la creatividad contemporánea. Este uruguayo de padres inmigrantes españoles, recibió una formación plástica de vanguardia en Barcelona y al trasladarse nuevamente a su tierra natal, creó toda una corriente estético-filosófica llamada por él mismo, Universalismo Constructivo.

Manuel Pailós, Julio Alpuy, José Gurvich, Gonzalo Fonseca son algunos de los exponentes de esa Escuela del Sur, que junto con Torres García sentaron las bases de la naciente abstracción latinoamericana. “Nuestro Norte es el Sur” era su consigna.

Otros exponentes de la abstracción fueron Alfredo Hlito y Tomás Maldonado de Argentina, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez de Venezuela, Gerardo Barros, Waldemar Cordeiro y Helio Oiticica de Brasil, entre los más destacados.

. El creciente interés internacional demostrado por los coleccionistas e inversores en el arte latinoamericano, nos hacen ampliar nuestra visión y nos conducen a una exploración más allá de lo conocido, dando luz sobre una América Latina que también se ha destacado por una expresión artística de abstracción y arte geométrico.

“Por el hecho de pensar en una estructura, es decir, de relación entre los diferentes elementos de una obra para llegar a la unidad estética, el arte se pone en otro plano. En primer lugar se sitúa en lo geométrico (verdadero lenguaje de la plástica). Transpone lo anecdótico a lo universal, se sitúa en la verdad de lo abstracto y por todo esto eleva el tono de la obra dotándola de un espíritu grande”.
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 33.

Delia Negro

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LAS ENVOLVENTES MUJERES DE FRANCISCO ZUÑIGA

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LAS ENVOLVENTES MUJERES DE FRANCISCO ZUÑIGA

Dos Mujeres Sentadas

 Costarricense de nacimiento y mexicano de adopción, Francisco Zúñiga nació en 1912 y continuó trabajando casi hasta su muerte acaecida en 1998 en Ciudad de México. Dibujante por excelencia y estudiante permanente de la anatomía humana, celebraba la forma femenina con una repetición casi obsesiva de la línea curva. No se entregaba a una representación figurativa de lo femenino, sino que sintetizaba la imagen y la convertía en volumen, en espacio …en un espacio más afectivo que atmosférico. Casi como tradicionales esferas precolombinas, sus personajes evocan al movimiento del alfarero, a la rutina diaria, a un destino pre-determinado, empaquetado, que las define como vasijas emblemáticas de una misma cultura.

Estos personajes parecen emerger de la tierra lentamente y sin dificultad, y sus volúmenes casi telúricos, no se despegan de ella… permanecen en un estado de flexible integración con el todo, y el bulto no se define, sólo se sugiere, se dilata… sostenido por los rebozos envolventes que empacan la figura y contribuyen al efecto de no desprendimiento.

Estos paños hechos de espacio y movimiento sintetizan y diluyen el lenguaje creativo eliminando formas, que de permanecer, hubiesen enturbiado el propósito casi de alfarero que el artista se proponía.

En piedra como en barro, en acuarela o en pastel, el lenguaje de Zúñiga se concreta en volúmenes casi escultóricos, destacando la figura-tierra, la mujer-fecundidad, la vasija-forma.

Este propósito de ejecución, de crear con las manos y de pulir con el pensamiento, le otorga a la obra de este artista, una honda ternura que revela su interés por algo profundamente humano y unido a lo cotidiano, a la vida del campesino y del hombre común.Ninguna de estas mujeres es vista como una mujer obesa, al contrario, son formas naturales que se concretan en el espacio. Cada una de ellas es una síntesis de su propia cultura y de una idiosincracia cotidiana, es una realidad modelada por la cotidianidad.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

junio 25, 2008 at 2:24 pm

PROHIBIDO NO TOCAR – Pablo Atchugarry

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PROHIBIDO NO TOCAR – Pablo Atchugarry

Rosina Mascheroni

Las esculturas de Pablo Atchugarry parecen pedir a gritos ser tocadas. En febrero de este año 2007 tuve oportunidad de visitar su casa-taller en Manantiales (Uruguay). Casi de contrabando me atreví a tocar la superficie de mármol de una de sus obras. Luego de leer su libro, “Fragmentos de una vida”, me sentí eximida de culpa. Allí él relata una experiencia personal muy emotiva ocurrida en una Feria de Arte en Amsterdam. Un hombre no vidente reconocía las piezas al tacto, eligió tres obras y luego interrogó al artista: “Usted, al tacto, ¿cuál de estas obras elegiría?” El artista cerró los ojos y comenzó su reconocimiento, finalmente eligió una. El hombre le confió: “Es la misma que había elegido yo”.

Sin duda esta percepción exclusivamente táctil que el hombre solicitaba al artista es la comprobación de que la escultura de Pablo Atchugarry habla varios lenguajes.

Las esculturas de Pablo Atchugarry provocan en quien las observa una especie de éxtasis. Podría definirlo como un estado primario de admiración. Una fuerte energía envolvente se escapa de la materia, del mármol luminoso y lo atrapa a uno entre sus pliegues. Esa fuerza escultórica genera un espacio en el espacio, es como un halo que inspira respeto y que exige distancia para la contemplación. Pero es esa maravillosa ambigüedad de toda obra de arte la que hace que a la vez ellas ejerzan una atracción cósmica que contiene, que retiene, que invita a palpar para comprobar que el mármol no será nunca más frío, desde el momento que el escultor ha atrapado la forma que canaliza la energía. La calidez de ese mármol reside en su forma envolvente de pliegues profundos como el alma del creador, de formas flexibles que se derrochan en secuencias que envuelven, desenvuelven, que arrollan y desarrollan, que hacen de la piedra materia maleable, cálida protectora, que acaricia e invita a la caricia, que ampara, que contiene. Esos pliegues parecen desplegarse al infinito, ese permanente fluir es el eterno retorno, es el movimiento perpetuo en la inmovilidad de la piedra, es la relatividad y la eternidad plasmada en la materia. Es el cosmos.

ROSINA MASCHERONI

Bibliografía
-“Fragmentos de una vida” Pablo Atchugarry- Conversación con Valeria Campagni- CBA Imprenta Editorial- Diciembre 2006.
-“Recuerdos” María Cristina Bonomi- CBA Imprenta Editorial- Diciembre 2006

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marzo 4, 2007 at 2:30 am

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

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PABLO ATCHUGARRY …

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

Atraído por una sensibilidad vivencial de inmigrante, heredada de sus antepasados inmediatos, el escultor uruguayo Pablo Atchugarry orienta su quehacer artístico hacia un encuentro con una de las fuentes originales del arte estatuario, la tierra italiana y el mármol de Carrara. Estos dos componentes serán reveladores del quehacer creativo del artista y acelerarán un proceso evolutivo de su sensibilidad, que buscaba encontrar vías de expresión más significativas en la materia y en la tercera dimensión, dentro de un espacio profundo y envolvente.

Ya en tierra italiana y en pleno proceso de exploración, las circunstancias lo llevan a recibir un pedido de una escultura en mármol de Carrara y es así que la materia viene a su encuentro para sellar una vinculación definitiva y permanente del artista con esa piedra mágica, la cual es en la actualidad, su mayor motivo de inspiración. Su inteligencia creadora se concreta entonces en una labor sin retorno, en una búsqueda constante de transparencia y pureza, de movimiento y verticalidad, de comunicación y síntesis, entre la escultura clásica y la contemporánea.

Atchugarry comienza su trabajo eligiendo él mismo su materia prima: el mármol más puro y traslúcido que se extrae en la región. Ese bloque de piedra le transmite una energía especial y una emoción, que le permiten adentrarse en ella y descubrir el significado que ella encierra.

La obra de este escultor es una síntesis de pensamiento y emoción, de imagen plástica y verticalidad, de espacio y luz, de pureza estética mediterránea, de liviana percepción visual, que se definen en un movimiento milenario de pliegues en tensión, que definen un estilo, una personalidad y un mensaje individual hacia lo colectivo.

Su honestidad intelectual y su perseverancia en la búsqueda de la forma, lo llevan a concebir un lenguaje estético compartido con los trabajadores de las canteras…ellos son parte importante de la elección de cada bloque, ellos son parte de la iniciación del proceso creativo. A continuación, la misión del artista es liberar la forma, haciendo intervenir a su imaginación, sensibilidad e inteligencia creativa.

“Soñando la paz” es una instalación de ocho esculturas, presentada por el artista en la 50 Bienal de Venecia en el año 2003. Esta obra es una danza blanca de líneas verticales, que eleva sus formas hasta un espacio desconocido, y que canta, pidiendo y buscando una unidad. Ella demuestra una vez más, cómo la plástica puede pensar en la paz y contribuir con ella. “Soñando la paz” es una obra individual y de pensamiento único, que sin embargo puede convertirse en colectivo, al ser expuesto en un espacio “coral” (usando palabras del artista) y comunicador. Sencillamente otro Guernica que denuncia con una tensión estética y grupal, colectiva y sonora.

Actualmente Pablo Atchugarry mantiene dos talleres entre los cuales distribuye su tiempo creativo, uno en Lecco, Italia, cerca de Carrara y otro en Manantiales, cerca de Punta del Este, Uruguay. Es así que el artista mezcla el aire del Lago di Como, presencia permanente en su infancia y añorada por una abuela italiana que la alimentaba, con el aire puro de una tierra todavía salvaje y natural, de arenales y océano, sobre el Atlántico Sur, que le proporciona el ambiente adecuado para liberar su creatividad y seguir soñando con la paz….desde su estudio y desde su mundo interior.

DELIA NEGRO

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febrero 13, 2007 at 2:53 pm

EXPLORACIÓN DIDÁCTICA EN LA FERIA DE ARTE DE BOGOTÁ

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EXPLORACIÓN DIDÁCTICA EN LA FERIA DE ARTE DE BOGOTÁ

En los últimos días de noviembre, en la ciudad de Bogotá, se realizó por segundo año consecutivo, la Feria Internacional de Arte, ARTBO. Más de 50 galerías locales e internacionales expusieron obras, tanto de artistas reconocidos como emergentes. Este acontecimiento ha ido consolidando el quehacer artístico de la región, ofreciendo un espacio para la difusión del arte colombiano e hispanoamericano.

La Cámara de Comercio de Bogotá responsable de la organización, considera que siguiendo la experiencia de otras ciudades del mundo, con este tipo de ferias de arte “se estimula el turismo, se genera una cultura artística y se mejora la competitividad en una región polifacética y cultural”. Así mismo, la presencia de galerías de arte de carácter internacional, multiplica la oferta cultural y abre la puerta a nuevas tendencias en la dinámica expresiva local. Es necesario destacar el movimiento artístico que está teniendo esta ciudad y la existencia en este momento de 8 universidades con programas de formación en este campo.

El espacio de ARTBO tiene un fin netamente comercial, dedicado a coleccionistas y amantes del arte, como es común en este tipo de eventos. Pero en esta feria se pudieron observar otras actividades paralelas dignas de ser destacadas. Foros interactivos, representaciones de arte en vivo o talleres para niños, contribuyeron a ampliar la oferta cultural más allá del objetivo comercial, cumpliendo una función social, de real importancia educativa.

En la sala infantil se ofrecían juegos de exploración didáctica que permitían a los asistentes desarrollar ejercicios de percepción y apreciación del arte, en actividades interactivas de formación. En un mundo en el cual la imagen ha pasado a ser parte del lenguaje cotidiano, la formación de los jóvenes en este ámbito se hace cada vez más necesaria. Las nuevas tecnologías y la publicidad están exigiendo modificaciones y ampliaciones de la educación tradicional y actualmente es tan importante desarrollar habilidades de comprensión lectora, como de percepción visual. Saber mirar constituye actualmente una ventaja para muchas profesiones; y es así que el Art Institute of Chicago está desarrollando programas de formación visual para médicos y enfermeras. El adiestramiento visual de estos profesionales optimizará la emisión de diagnósticos más precisos y acertados. De la misma manera los foros interactivos o las representaciones de arte en vivo, brindaron en esta feria la oportunidad de participar a los asistentes adultos en general, ampliando la finalidad inicialmente comercial del evento y desarrollando la creatividad en beneficio de la comunidad.

La Feria de Arte de Bogotá ha sentado un precedente, ampliando sus objetivos y brindando al público un lugar de encuentro, un espacio de formación y difusión de la cultura, que contribuye a fortalecer las raíces de una forma de ser, de vivir y de pensar, que quiere manifestarse y decir presente en el devenir cotidiano contemporáneo.

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diciembre 5, 2006 at 3:46 am

JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

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JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

La Academia delle Arti del Disegno de Florencia ha incorporado como miembro activo de esa institución al escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia. Como primer artista latinoamericano que recibe ese honor, Jiménez Deredia puede ser definido también como pensador y filósofo. Su obra es el producto de una reflexión profunda sobre sus orígenes, y tanto su plástica como su vida se convierten en una recuperación del pensamiento vivido y heredado, de una cultura ancestral. Su utopía es recuperar la esencia del ser y el sentido de la circularidad, que lo conducen directamente a los orígenes del hombre. Su expresión plástica se conecta con la visión simbólica del pasado; lo recupera, lo incorpora y lo comparte con el espectador, en una retrospección colectiva de carácter circular.

Jorge Jiménez nació en el pueblo de Heredia en territorio costarricense y ese afán de volver al punto inicial de ese todo esférico y circular, lo lleva a adoptar como segundo apellido el lugar de sus orígenes. Es así que Jiménez Deredia trasciende su herencia familiar, profundizando su búsqueda en el devenir histórico de los Borucas, pobladores del suroeste de Costa Rica en la época precolombina.

La filosofía de este escultor se inicia en la observación de emblemáticas esferas precolombinas de una antigua civilización de hace más de 4000 años.

El impacto racional de estas imágenes, el círculo, la esfera y la forma cerrada resultante, marcan en él el inicio de una incansable búsqueda geométrica hacia la medida, el orden, la exactitud en la proporción, tanto en la vida como en la expresión plástica. Esta exploración lo llevará a Italia y a residir cerca de Carrara, y será allí donde encontrará los materiales y el ambiente propicio, para cerrar y unir los dos extremos de ese círculo expresivo, plástico y racional iniciado un día en su tierra natal.

Su vida es una constante investigación metafórica a través del arte, durante la cual recorre la idea de inicio y final en cada creación y para la cual se siente llamado por una fuerza vital de esférico creativa ineludible.

El concepto de la transmutación de la materia, lo lleva a alcanzar la casi desaparición de la misma, despojando al mármol o al bronce de sus propiedades esenciales, el peso o la rigidez, haciéndolos flotar en una sola forma, la esférica, origen de todas las cosas. En el sentido de la transmutación se encuentra el significado mismo de la transformación de la vida y en este escultor el proceso creativo es el motor de la imagen volumétrica.


La reciente exposición del mundo geométrico-figurativo de Jiménez Heredia en los Jardines del Bobolli en Florencia, dio lugar a ese reconocimiento de la Academia delle Arti del Disegno. En ese verde y artístico escenario, la naturaleza hizo suya cada pieza escultórica, incorporándola a su esencia vital, reintegrándola a su mundo vegetal y a su constante transmutación…uniendo así dos extremos de una filosofía que nace en el mundo de los Borucas y que se completa en el orden, equilibrio y transparencia de las tierras de Carrara.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

noviembre 25, 2006 at 9:49 pm