Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

Archive for the ‘Norteamerica’ Category

WELCOME TO CHICAGO BALLPLAYERS, GODS AND RAINMAKERS

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WELCOME TO CHICAGO BALLPLAYERS, GODS AND RAINMAKERS

¨ La cultura indígena de América fue una cultura interrumpida y la América deseada fue la América destruida ¨ . Carlos Fuentes (Iberoamérica)

El 16 de septiembre el Art Institute of Chicago abre sus puertas a una exhibición sin precedentes de esculturas mesoamericanas, en el año del bicentenario de la independencia de México del poder colonialista español y del centenario de la Revolución Mexicana de 1910.
Ese nuevo espacio plagado de luz y de modernidad del Art Institute of Chicago da la bienvenida a esculturas milenarias, Jugadores de Pelota, Dioses y Proveedores de la Lluvia, que parecen entrar al recinto abriéndose camino triunfal frente a un acervo museístico tradicional, que poco ha destacado el arte primitivo mesoamericano como fuente de conocimiento.
Entre el azul plumífero del quetzal, el verde jade de la piedra y el rojo sangre de los sacrificios, cada escultura emerge de la tierra madre como una representación viviente de esa constancia de siglos, de ese ritmo cósmico establecido entre el hombre y la naturaleza. Cada una de ellas parece recordar al observador, que el equilibrio cósmico se ha desajustado y que su existencia ha sido olvidada por siglos.
Este simbolismo de correspondencias entre el ser humano y el orden natural, era el pensamiento dominante de los habitantes del territorio mesoamericano en el siglo XVI. Cada elemento que la tierra ofrecía era un regalo que el hombre debía recibir con el compromiso de preservarlo; cuidarlo y prestigiarlo eran las razones de su propia existencia.
El hombre de Mesoamérica pasó de nómade a sedentario, de guerrero a agricultor, y en ese nuevo espacio de permanencia debió organizarse imitando el escenario natural en el que le tocaba vivir.
Cada una de sus actividades estaba organizada con el objetivo de mantener ese
orden natural del cosmos y la comunidad cumplía su misión hasta la excelencia. Cada uno de sus gobernantes o jefes de la comunidad tenía la responsabilidad de cuidar ese orden inviolable que los dioses exigían. El culto, los sacrificios, las ofrendas, las edificaciones y hasta los juegos de pelota estaban destinados a la glorificación de cada deidad. En este proceso de cumplimiento de un destino sin opciones, la expresión artística se multiplicaba en la adoración y en un lenguaje estético cada vez más refinado. Fue así que las piedras preciosas, las plumas, los colores se mezclaron en una ofrenda cotidiana a los representantes de los poderes regeneradores o destructores de cada fenómeno natural, de beneficio o castigo según la conducta humana.
Es así que esta exposición organizada por el Art Institute of Chicago, el Museo de Antropología de México y el Museo Arqueológico de Xalapa, tiene un significado muy relevante, no solamente por los hechos históricos que conmemora, sino por su contenido y su filosofía. Su apreciación nos remite a una estética primitiva y cada imagen remarca un objetivo con el cual nos identificamos en este siglo XXI: la pérdida del control de nuestro ambiente natural y la dificultad de crear conciencia entre nosotros mismos.
La representación del dios Tlaloc nos da la bienvenida en la entrada del Museo Antropológico de Ciudad de México, su imagen es el agua, Tlaloc es ¨néctar de la tierra en lengua nahualt; ¡el agua!…una de las mayores preocupaciones contemporáneas.
Ya a principios del siglo XX muchos visionarios buscaban el arte primitivo como fuente de inspiración para su expresión estética, …..¿estaremos nosotros también a principios de un nuevo siglo, volviendo nuestras miradas hacia fuentes de sabiduría milenaria para enfrentar los difíciles tiempos que se avecinan?, ¿ estaremos reivindicando a esa América destruida e interrumpida?
¡Bienvenidos a Chicago Jugadores de Pelota, Dioses y Proveedores de la Lluvia!

DELIA NEGRO

Este articulo fue publicado en www.arteyvidachicago.com

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Written by Delia Negro

septiembre 26, 2010 at 8:07 pm

MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO

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MUSEUM OF LATIN AMERICAN ART – MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO – LONG BEACH – CALIFORNIA

El 20 de septiembre el MOLAA ha abierto al público una extensa exhibición de arte contemporáneo latinoamericano, como muestra previa para la subasta que se realizará el 18 y 19 de octubre en el propio museo. Esta subasta anual de Long Beach- California es ya tradicional para el mundo del arte latinoamericano, evento que el MOLAA realiza desde el 2006. Año a año la calidad de las piezas expuestas se ve mejorada, situación que agrega cada vez mayor interés al evento. Su organización aplica un criterio de selección exigente y presenta una propuesta accesible y puesta al día con la realidad latinoamericana, al mismo tiempo que abre oportunidades a los artistas emergentes, en un mercado ávido de renovación. Obras de reconocidos artistas plásticos como también de jóvenes con gran potencial, aparecen desplegadas en las amplias instalaciones de la institución y abren una oferta prometedora y motivadora a un público que encuentra todas las opciones de inversión.

 

El MOLAA es el único museo en Estados Unidos dedicado exclusivamente al arte de Latinoamérica y fue fundado por el coleccionista Robert Gumbiner con el objetivo de educar al público sobre la expresión plástica de una región, muy poco conocida en este hemisferio. Debe destacarse la función social y de divulgación que la institución desarrolla, la calidad que ofrece y el esfuerzo que requiere su organización. El museo cuenta con una significativa colección permanente, que complementa con exposiciones itinerantes y programas de formación, como también ha creado los PREMIOS MOLAA, incentivo anual para el reconocimiento de los nuevos exponentes del arte de la región.

Catalogo de la subasta

Delia Negro

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septiembre 30, 2008 at 7:51 pm

MAGDALENA ABAKANOWICZ Y SUS “ABAKANS” DE CHICAGO

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MAGDALENA ABAKANOWICZ Y SUS “ABAKANS” DE CHICAGO

(Si bien esta cartelera está dedicada al arte latinoamericano y español, la obra de esta artista polaca trasciende culturas y merece que se haga una excepción, por su excelencia, por su interacción comunicativa, por su latinidad. Su lenguaje conceptual se acerca a la obra de Jaume Plensa, The Crown Fountain, casualmente situada a pocos metros de distancia.)

My art is a tale of human condition

Magdalena Abakanowicz

En el extremo sur del Grant Park de Chicago, 106 esculturas de hierro se despliegan en un espacio de extensión sorprendente. La instalación presenta un grupo de figuras humanas, que se acercan y se alejan entre sí, en una comunicación que interactúa con el observador y lo invita a participar y a mezclarse al grupo escultórico, pasando a ser parte activa de esa aglomeración…. ÁGORA es su título.

Cada una de estas figuras de hierro, parecen moverse en una dinámica gestual que sugiere discusión, preocupación, argumentación, concentración. Recordando a la antigua Grecia, como su título lo insinúa, estas figuras nos transportan a una representación de lo colectivo… metáfora de ideas compartidas de todo un pueblo, de toda una civilización, que se plantea inquietudes comunes, reuniéndose en un lugar público para la discusión.

Este bosque de torsos humanos en actitud motora, son individuos iguales en su forma, pero diferentes en su textura, en su piel, en su individualidad. Su superficie trabajada mano a mano por la escultora y su equipo, presenta una rugosidad de corteza de tronco de árbol, que nos transporta a la naturaleza, al bosque, y al ágora al mismo tiempo; analogía orgánica que evoca la vida y la supervivencia, basada en la comunicación.

Estos “abakans”, nombre elegido por la propia escultora para sus personajes, se generalizan en el concepto de humanidad, pero al mismo tiempo se particularizan en un derivado de apellido familiar, que los convierte en seres individuales.

Esta obra de Abakanowicz hace referencia a su trayectoria creativa, en una búsqueda de texturas blandas explorada a través materiales textiles, intervenidos por la acción exclusiva del moldeado manual, sin el uso de herramientas mecánicas. Esta agilidad manual es trasladada posteriormente a superficies duras, buscando el desafío de transmitir la energía creativa experimentada por la escultora, repitiendo la acción una y otra vez, creando así el espacio para sus “abakans” en la multitud, sin olvidar la singularidad de cada pieza. La artista conceptualiza la materia dura, revelando el inconciente colectivo, el cual transmite una energía generada en su propia creación.

Transitando de una idea a una forma, de un concepto a una materia, estos “abakans” nos envían un mensaje… la existencia de cada uno de ellos depende del grupo, de su comunicación, de su diálogo y de su acción colectiva.

La experiencia de cada observador debe ser integrarse al grupo escultórico, establecer contacto corporal, táctil y participativo, con una instalación que busca transmitir energía a través de cada superficie, pero que logra su verdadero momento creativo en la unidad de su público con los 106.

Delia Negro

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agosto 9, 2008 at 3:17 pm

ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

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ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

Radiance from the Rain Forest: Featherwork in Ancient Peru

No podemos dejar de mencionar la trascendencia de este acontecimiento en el Museo Metropolitano de Nueva York, por ser la primera exhibición que se realiza en un museo de Estados Unidos, sobre este arte milenario.

El arte plumario es poco conocido entre las colecciones arqueológicas, su misma naturaleza y fragilidad hacen de él un testimonio raro y exótico.

Plumas de colores vibrantes, azules, amarillas, verdes y rojas amarradas sobre una superficie de sostén, se suceden formando composiciones cromáticas que constituyen un lenguaje en sí mismo. La lectura de cada pieza comienza por la técnica de confección de las mismas. Los tipos de plumas utilizados, sus formas y sus tamaños constituyen el lenguaje pictórico de cada expresión. Su textura sedosa y su colorido han sido características codiciadas en la elaboración de ropaje de ocasiones especiales, de ritos religiosos o guerreros o de simple ornamentación.

Pero sin duda el aporte de mayor relevancia en la composición visual de cada una de estas piezas, lo dan los colores. Tanto la luminosidad y las sombras, como la opacidad y las transparencias aparecen en este arte textil, tan bien logradas como los cromatismos aglutinados por la voluntad del artista plástico en su lienzo. La experiencia textil de los habitantes de esas zonas de Los Andes debe ser destacada y valorada en su justa medida. Este arte frecuentemente considerado menor, debe ser revalorizado y ubicado en el sitial que le corresponde dentro de las artes plásticas.

Cantidades incalculables de plumas de pájaros de la selva amazónica eran trasladadas hacia zonas del antiguo Perú y del Océano Pacífico. Ellas constituían un material precioso e indispensable para la confección de penachos, pectorales, túnicas ceremoniales, etc.; estética ritual imprescindible en ciertos tipos de celebraciones.

Este lujoso y sofisticado arte ritual constituye una milenaria tradición del Perú precolombino, aunque poco se conoce sobre su cultura específica. Tanto la literatura arqueológica como la plástica, han postergado su consideración tal vez por la propia naturaleza peredecedera de su material orgánico y por los pocos testimonios que se han conservado. Actualmente este arte sigue vivo en algunos pocos lugares de América Central, en los cuales se usa mayoritariamente la pluma del quetzal.

La colección expuesta durante estos meses en el Museo Metropolitano de Nueva York presenta más de setenta piezas. Aunque la mayoría de ellas están datadas entre los siglos VII y XVI después de Cristo, se pueden observar algunos exponentes de épocas anteriores a la era cristiana.

Todo lo dicho convierte a esta muestra en hecho de excepción a nivel internacional, considerando las pocas oportunidades que se presentan en la actualidad, de admirar un acervo histórico con estas características.

El Museo Metropolitano de Nueva York mantendrá esta exposición abierta al público hasta el 1 de setiembre.

Delia Negro

para ver las imagenes del Met vaya aqui.
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abril 13, 2008 at 11:53 pm

THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN – Jaume Plensa

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THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN — Jaume Plensa

Ya por el año 1994, el escultor catalán Jaume Plensa, exploraba vías de expresión plástica renovadoras a través de la escultura del espacio público. Buscando su línea expresiva en el tamaño escultórico tradicional y destacando masa, volumen y materia, su obra se concretaba sin embargo en una propuesta de carácter conceptual, creando así toda una filosofía poética que invitaba a la reflexión. Uno de los resultados de esta búsqueda fue la excepcional escultura The Personal Miraculous Fountain, premiada por Henry Moore Sculpture Trust (1994). Creemos que este hecho debe destacarse por la calidad escultórica de esta pieza y por la relación que esta obra de Plensa tiene con The Crown Fountain, la fuente del mismo autor del Millenium Park de Chicago.

En las décadas posteriores al surgimiento del cubismo, el concepto de escultura va sufriendo una re-definición. Hasta ese momento había significado el proceso de representación de una figura real en tres dimensiones. Sin embargo después de este movimiento artístico, ya no será más la representación de una figura real, sino mental o conceptual. La obra escultórica se fue convirtiendo así en objeto de cuestionamiento, de reflexión, de participación y desplazamiento en su interpretación y fue transformando el espacio físico en campo conceptual.

Es así que la obra de Jaume Plensa The Personal Miraculous Fountain se concreta en su representación en fuente de pensamiento, de comunicación, de encuentro con el otro y proporciona materialidad insinuando oralidad. Esa forma oval voluminosa es el origen de la vida, es un huevo contenedor de memoria que evoca el ciclo del eterno retorno. Ese continuo fluir del agua es la vida que no se detiene. La palabra viva está implícita en la materia que pierde su esencia de solidez, para diluirse en el agua de vida y de devenir cotidiano.

Si bien esta escultura posee todos los méritos para declararla una obra excepcional, cobra fundamental importancia, por significar un antecedente de exploración de otra fuente: The Crown Fountain.

Esta última, culminación de volumen escultórico sólido, pero ahora de materia liviana, constituye un lugar de encuentro en una dinámica de bloques de vidrio que se diluyen en agua de vida y en vida en el agua; seres humanos que se comunican y que expulsan un chorro vital sobre otros de su misma especie con los cuales interactúan; imágenes que convocan y repiten ese rito de vida, de agua, de palabras, de sonido, de participación, que se encadenan con un retorno de su propia vitalidad.

Una fuente, otra fuente… de materia, de agua-vida, de agua-sonido, de palabras, de luz, de génesis, de cosmos, de retorno al embrión…este es el lenguaje plástico y eterno de Jaume Plensa, escultor ya consagrado entre los grandes de nuestro tiempo.

The Personal Miraculous Fountain, es símbolo de modernidad y arte conceptual, es génesis de lugar de encuentro, es un antecedente de la fuente de Jaume Plensa, The Crown Fountain del Millenium Park de la ciudad de Chicago.

Delia Negro

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marzo 27, 2007 at 2:01 am

SYDIA REYES Y EL DESPERTAR DE “LOS BELLOS DURMIENTES”

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SYDIA REYES Y EL DESPERTAR DE “LOS BELLOS DURMIENTES”

Por los años 70 vivíamos en Caracas y la llegada de una exposición de esculturas de Henry Moore al Museo de Bellas Artes de la ciudad, conmocionó a toda la población. Fue necesario remover un sector del techo del museo, para que las grúas pudieran depositar en las salas, las monumentales esculturas recién llegadas desde el exterior. Este acontecimiento se convirtió en el mejor anuncio publicitario para la exposición y la expectativa formó largas colas a la entrada del museo.

En aquella ciudad de las casas grandes y las cosas grandes, los espacios eran los de la abundancia… en la arquitectura, en el diseño urbanístico, en el arte, en la música, en la literatura…y también lo fue para la escultura. Esta apertura al exterior amplió la motivación, y la inspiración y la creatividad lograron la renovación y el crecimiento acelerado de una disciplina que hasta el momento había tenido un lento desarrollo. La escultura comenzó así a transformarse en una expresión de carácter volumétrico y conceptual, geométrico y profundamente plástico. Muchos fueron los artistas que hicieron posible esta transformación y la lista de nombres es extensa comparativamente con otros países latinoamericanos.

Una de sus máximas exponentes, Sydia Reyes, radicada actualmente en Chicago, inicia su carrera allá por los años 90. La huella de ese ambiente entusiasta y monumental de su propia tierra, es notoria en cada una de sus obras. La denuncia social adquiere en ella un matiz de fe y confianza en lo que hace y transmite al observador el placer de la contemplación, en el entusiasmo y la esperanza. El carácter social y conceptual de cada una de sus obras se irá intensificando en lo geométrico y será éste el camino que esta escultora escogerá al lanzarse a la conquista del espacio. Ángulos, rectas, curvas y figuras geométricas disiparán la abstracción y despertarán a cada objeto urbano en su simbología y en su metáfora de lo cotidiano. Entre los materiales más usados, el hierro y el acero serán sus protagonistas

Para esta escultora la calle es su propio escenario; es el espacio inagotable y es el proveedor constante que cada día le ofrece un verdadero desafío. Sus ojos apoyándose en cada objeto, van recogiendo imágenes y materia, encontrando en lo metálico el mayor atractivo. Objetos inmóviles, desechados, sin vida útil, intrusos en la imagen cotidiana, se ablandan, se aflojan, se retuercen, se alargan y se ensanchan frente a la mirada de Sydia Reyes. Cada caño, alcantarilla o durmiente parecen personajes en busca de un autor; parecen caprichos a la espera de que alguien los recoja, les inyecte creatividad y los convierta en objetos no perecederos en el mundo del arte, alejándolos definitivamente de lo utilitario y lo cotidiano.

El escenario elegido para su ubicación posterior seguirá siendo la calle; pero cada objeto después de ser intervenido por esa visión selectora y de extremada sensibilidad plástica, pasará a ser observado y su categoría dejará de ser utilitaria para convertirse en estética y artística, recuperando así una función ciudadana muy por encima de lo utilitario.

La lectura de las obras de Sydia Reyes nos remite a lo subterráneo en la calle y en el espíritu, a lo que va por debajo de la alcantarilla o por debajo de lo visible; sugiere soledad y opresión, pero al mismo tiempo ofrece también una reivindicación a través del hecho artístico.

Su escultura es social y urbanística, es acusadora y estética, pero es también salvadora en su discurso. La pesadez conceptual y material parecen flotar en el espacio y la genialidad de la escultora transforma el hierro, el acero o el aluminio en vasos comunicantes de una preocupación netamente social.

Visitar su estudio es poder mirar el mundo desde donde ella misma lo hace como observadora de lo urbano…una vieja edificación de ladrillos y hierros cobija un extenso espacio, gris, amable y acogedor. A través de grandes ventanales que parecen servir de puntos de observación del cambiante devenir cotidiano, se puede observar “desde lo subterráneo”, el ángulo inferior de una autopista, motivo de inspiración para cada trabajo a emprender. Un día es un árbol vacío que denuncia la invasión de lo metálico sobre el bosque, otro día es un hierro “descarriado” que parece danzar en el movimiento de un punto fijo, o tal vez una rejilla de gran tamaño que evoca los durmientes, “los bellos durmientes” de cada vía, de cada camino, de cada vida.

Delia Negro

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octubre 24, 2006 at 11:58 pm

ELIZABETH CATLETT EN EL ART INSTITUTE OF CHICAGO

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ELIZABETH CATLETT EN EL ART INSTITUTE OF CHICAGO

 

“I have gradually reached the conclusion that art is important only to extend that it helps in the liberation of our people”.

 

El Art Institute of Chicago ha adquirido recientemente cinco obras de la artista, afro-americana de nacimiento y mexicana de adopción, Elizabeth Catlett. Tres de estas obras pertenecen al porfolio conocido con el nombre de “I am the black woman”.

Elizabeth Catlett nacida en Washington D.C. en 1915, dio sus primeros pasos en la escultura y el grabado, cosechando los primeros logros en su país natal. Pero es posteriormente en la ciudad de México donde alcanza su madurez expresiva y concreta su carrera, tanto desde el punto de vista artístico, como docente.

Corría el siglo XIX en los Estados Unidos y el peso de ser afro-americano caía sobre el talento creativo de muchos potenciales artistas visuales. La elite artística del momento sólo les permitía expresarse como buenos artesanos, los excluía de las academias, de las asociaciones artísticas o de las instituciones educativas, que sin embargo, permanecían abiertas para aspirantes de raza blanca.

En Europa, por lo contrario, la vanguardia del pensamiento iba transitando por otros caminos. La fuente de inspiración circulaba por canales expresivos fuera de lo tradicional y lo académico. La imagen de lo foráneo, de lo primitivo iba abriéndose paso, y tanto el arte como el escenario con esas características, eran ansiosamente buscados por los artistas europeos. Gauguin ya había encontrado el éxtasis creativo en esos rostros inocentes de la raza maorí. Más tarde, ya entrado el siglo XX, Picasso y muchos otros se interesarían por el arte etnográfico y la máscara africana. Ésta sintetizaba la idea, la expresión, la magia y la espiritualidad del hombre primitivo, fuera de reglas preestablecidas y con total libertad de lenguaje estético.

Fue recién alrededor de 1930 que The Negro o The Harlem Renaissance , movimiento valorativo de la expresión afro, fue abriendo el camino en la ciudad de New York, a todas las manifestaciones artísticas de este grupo humano, hasta el momento relegado por prejuicios sociales y académicos.

Elizabeth Catlett se encontraba en esta época en plena producción juvenil y sus aspiraciones de continuar su formación en el Carnegie Institute of Thecnology en 1932, se vieron frustradas. A pesar de haber pasado su examen de ingreso satisfactoriamente, fue rechazada por razones raciales. Pero sus intentos no quedaron allí, los acontecimientos sociales la favorecían y su voluntad y convicción la habían marcado profundamente. Continuó entonces su búsqueda y formación, hasta alcanzar renombre nacional e internacional, tanto en lo artístico como en lo académico.

Su interés siempre fue enfocado hacia la justicia social, los derechos de la mujer y especialmente de la mujer de su raza. Pero fue en México, lugar al cual se trasladó para perfeccionarse en la técnica del grabado, donde tomó real conciencia del rol que el artista representaba en la transformación de la sociedad. Al vincularse sentimentalmente con el artista Francisco Mora y posteriormente contraer matrimonio con él, decide permanecer en esa ciudad y es precisamente el muralismo mexicano el que le ofrecerá el pensamiento y la expresión estética que encajará perfectamente con su necesidad expresiva.

El bronce, la madera, el cobre, materiales que unen a Elizabeth Catlett con sus ancestros, fueron los medios usados para trabajar la escultura. Es sin embargo en el grabado donde ella alcanza su máxima expresión creativa. Metal, madera, papel, otra vez productos de la tierra la inspiran para expresarse sobre lo que ella más conoce: su gente. El rostro de México y su imaginería aparecerá también en su obra, ya cuando la artista haga de ese país su domicilio permanente.

Las imágenes de Elizabeth Catlett hablan, son la voz de los sin voz, el volumen se alza y envuelve al observador en un compromiso adquirido en la comunicación e invita al público a la acción inmediata.

Actualmente con sus 90 años la artista sigue expresando “art is important only to the extend that it helps in the liberation of our people”, más allá de su raza, más allá de fronteras.

Delia Negro

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septiembre 11, 2006 at 1:55 am