Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

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MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO

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MUSEUM OF LATIN AMERICAN ART – MOLAA Y SU SUBASTA ANUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO – LONG BEACH – CALIFORNIA

El 20 de septiembre el MOLAA ha abierto al público una extensa exhibición de arte contemporáneo latinoamericano, como muestra previa para la subasta que se realizará el 18 y 19 de octubre en el propio museo. Esta subasta anual de Long Beach- California es ya tradicional para el mundo del arte latinoamericano, evento que el MOLAA realiza desde el 2006. Año a año la calidad de las piezas expuestas se ve mejorada, situación que agrega cada vez mayor interés al evento. Su organización aplica un criterio de selección exigente y presenta una propuesta accesible y puesta al día con la realidad latinoamericana, al mismo tiempo que abre oportunidades a los artistas emergentes, en un mercado ávido de renovación. Obras de reconocidos artistas plásticos como también de jóvenes con gran potencial, aparecen desplegadas en las amplias instalaciones de la institución y abren una oferta prometedora y motivadora a un público que encuentra todas las opciones de inversión.

 

El MOLAA es el único museo en Estados Unidos dedicado exclusivamente al arte de Latinoamérica y fue fundado por el coleccionista Robert Gumbiner con el objetivo de educar al público sobre la expresión plástica de una región, muy poco conocida en este hemisferio. Debe destacarse la función social y de divulgación que la institución desarrolla, la calidad que ofrece y el esfuerzo que requiere su organización. El museo cuenta con una significativa colección permanente, que complementa con exposiciones itinerantes y programas de formación, como también ha creado los PREMIOS MOLAA, incentivo anual para el reconocimiento de los nuevos exponentes del arte de la región.

Catalogo de la subasta

Delia Negro

Written by Delia Negro

septiembre 30, 2008 at 7:51 pm

ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

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ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

Radiance from the Rain Forest: Featherwork in Ancient Peru

No podemos dejar de mencionar la trascendencia de este acontecimiento en el Museo Metropolitano de Nueva York, por ser la primera exhibición que se realiza en un museo de Estados Unidos, sobre este arte milenario.

El arte plumario es poco conocido entre las colecciones arqueológicas, su misma naturaleza y fragilidad hacen de él un testimonio raro y exótico.

Plumas de colores vibrantes, azules, amarillas, verdes y rojas amarradas sobre una superficie de sostén, se suceden formando composiciones cromáticas que constituyen un lenguaje en sí mismo. La lectura de cada pieza comienza por la técnica de confección de las mismas. Los tipos de plumas utilizados, sus formas y sus tamaños constituyen el lenguaje pictórico de cada expresión. Su textura sedosa y su colorido han sido características codiciadas en la elaboración de ropaje de ocasiones especiales, de ritos religiosos o guerreros o de simple ornamentación.

Pero sin duda el aporte de mayor relevancia en la composición visual de cada una de estas piezas, lo dan los colores. Tanto la luminosidad y las sombras, como la opacidad y las transparencias aparecen en este arte textil, tan bien logradas como los cromatismos aglutinados por la voluntad del artista plástico en su lienzo. La experiencia textil de los habitantes de esas zonas de Los Andes debe ser destacada y valorada en su justa medida. Este arte frecuentemente considerado menor, debe ser revalorizado y ubicado en el sitial que le corresponde dentro de las artes plásticas.

Cantidades incalculables de plumas de pájaros de la selva amazónica eran trasladadas hacia zonas del antiguo Perú y del Océano Pacífico. Ellas constituían un material precioso e indispensable para la confección de penachos, pectorales, túnicas ceremoniales, etc.; estética ritual imprescindible en ciertos tipos de celebraciones.

Este lujoso y sofisticado arte ritual constituye una milenaria tradición del Perú precolombino, aunque poco se conoce sobre su cultura específica. Tanto la literatura arqueológica como la plástica, han postergado su consideración tal vez por la propia naturaleza peredecedera de su material orgánico y por los pocos testimonios que se han conservado. Actualmente este arte sigue vivo en algunos pocos lugares de América Central, en los cuales se usa mayoritariamente la pluma del quetzal.

La colección expuesta durante estos meses en el Museo Metropolitano de Nueva York presenta más de setenta piezas. Aunque la mayoría de ellas están datadas entre los siglos VII y XVI después de Cristo, se pueden observar algunos exponentes de épocas anteriores a la era cristiana.

Todo lo dicho convierte a esta muestra en hecho de excepción a nivel internacional, considerando las pocas oportunidades que se presentan en la actualidad, de admirar un acervo histórico con estas características.

El Museo Metropolitano de Nueva York mantendrá esta exposición abierta al público hasta el 1 de setiembre.

Delia Negro

para ver las imagenes del Met vaya aqui.
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Written by Delia Negro

abril 13, 2008 at 11:53 pm

ELIZABETH CATLETT EN EL ART INSTITUTE OF CHICAGO

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ELIZABETH CATLETT EN EL ART INSTITUTE OF CHICAGO

 

“I have gradually reached the conclusion that art is important only to extend that it helps in the liberation of our people”.

 

El Art Institute of Chicago ha adquirido recientemente cinco obras de la artista, afro-americana de nacimiento y mexicana de adopción, Elizabeth Catlett. Tres de estas obras pertenecen al porfolio conocido con el nombre de “I am the black woman”.

Elizabeth Catlett nacida en Washington D.C. en 1915, dio sus primeros pasos en la escultura y el grabado, cosechando los primeros logros en su país natal. Pero es posteriormente en la ciudad de México donde alcanza su madurez expresiva y concreta su carrera, tanto desde el punto de vista artístico, como docente.

Corría el siglo XIX en los Estados Unidos y el peso de ser afro-americano caía sobre el talento creativo de muchos potenciales artistas visuales. La elite artística del momento sólo les permitía expresarse como buenos artesanos, los excluía de las academias, de las asociaciones artísticas o de las instituciones educativas, que sin embargo, permanecían abiertas para aspirantes de raza blanca.

En Europa, por lo contrario, la vanguardia del pensamiento iba transitando por otros caminos. La fuente de inspiración circulaba por canales expresivos fuera de lo tradicional y lo académico. La imagen de lo foráneo, de lo primitivo iba abriéndose paso, y tanto el arte como el escenario con esas características, eran ansiosamente buscados por los artistas europeos. Gauguin ya había encontrado el éxtasis creativo en esos rostros inocentes de la raza maorí. Más tarde, ya entrado el siglo XX, Picasso y muchos otros se interesarían por el arte etnográfico y la máscara africana. Ésta sintetizaba la idea, la expresión, la magia y la espiritualidad del hombre primitivo, fuera de reglas preestablecidas y con total libertad de lenguaje estético.

Fue recién alrededor de 1930 que The Negro o The Harlem Renaissance , movimiento valorativo de la expresión afro, fue abriendo el camino en la ciudad de New York, a todas las manifestaciones artísticas de este grupo humano, hasta el momento relegado por prejuicios sociales y académicos.

Elizabeth Catlett se encontraba en esta época en plena producción juvenil y sus aspiraciones de continuar su formación en el Carnegie Institute of Thecnology en 1932, se vieron frustradas. A pesar de haber pasado su examen de ingreso satisfactoriamente, fue rechazada por razones raciales. Pero sus intentos no quedaron allí, los acontecimientos sociales la favorecían y su voluntad y convicción la habían marcado profundamente. Continuó entonces su búsqueda y formación, hasta alcanzar renombre nacional e internacional, tanto en lo artístico como en lo académico.

Su interés siempre fue enfocado hacia la justicia social, los derechos de la mujer y especialmente de la mujer de su raza. Pero fue en México, lugar al cual se trasladó para perfeccionarse en la técnica del grabado, donde tomó real conciencia del rol que el artista representaba en la transformación de la sociedad. Al vincularse sentimentalmente con el artista Francisco Mora y posteriormente contraer matrimonio con él, decide permanecer en esa ciudad y es precisamente el muralismo mexicano el que le ofrecerá el pensamiento y la expresión estética que encajará perfectamente con su necesidad expresiva.

El bronce, la madera, el cobre, materiales que unen a Elizabeth Catlett con sus ancestros, fueron los medios usados para trabajar la escultura. Es sin embargo en el grabado donde ella alcanza su máxima expresión creativa. Metal, madera, papel, otra vez productos de la tierra la inspiran para expresarse sobre lo que ella más conoce: su gente. El rostro de México y su imaginería aparecerá también en su obra, ya cuando la artista haga de ese país su domicilio permanente.

Las imágenes de Elizabeth Catlett hablan, son la voz de los sin voz, el volumen se alza y envuelve al observador en un compromiso adquirido en la comunicación e invita al público a la acción inmediata.

Actualmente con sus 90 años la artista sigue expresando “art is important only to the extend that it helps in the liberation of our people”, más allá de su raza, más allá de fronteras.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

septiembre 11, 2006 at 1:55 am