Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

CERVANTEAR… AL ESTILO ROBERTO MATTA

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CERVANTEAR…  AL ESTILO DE ROBERTO MATTA

“Cervantear es alzar la lanza a dos manos en contra de los churrulleros que deslizan entre nosotros sus descarrillados cuentos,cervantear es desgañitarnos en contra de sus desmorroneantes desparpajos hollywoohediondos de pinochetorreas,cervantear es hazañar hazañas y sus helechos en el lecho del hecho…”

“Don Quejados de las Manchas” – Roberto Matta

El 11-11-2011 se cumplirá el centenario del nacimiento de Roberto Matta y con estas líneas nos anticipamos y sumamos al acontecimiento. Este chileno nacido en 1911, un 11 del 11, consideraba esta fecha casi de carácter cabalístico, pero además la leyenda agrega que había nacido a las 11 de la mañana… excelente presentación para uno de los hijos del surrealismo.

Roberto Matta se definía a sí mismo como el “poeta de la expresión plástica”…“mis cuadros son paisajes del inconsciente”

Pintar con palabras….parafrasear con colores era su estilo. Comprometido y convencido con su función, consideraba que la misión del arte es “construir una conciencia” y la del artista es actuar como mediador para que ello se cumpla.

“Yo soy la imagen de un personaje combatiente, que combate en sí mismo y en contra de este mundo”. Como Do Qui, Matta expresa un conflicto entre la necesidad de cambiar el mundo y la necesidad de cambiar su propia vida. Dos locuras geniales se encuentran en la alucinación cotidiana y juegan con la palabra, la imagen y el color.

Matta no ilustra al Quijote, por lo contrario, comparte con él alucinaciones que producen formas y que flotan en un soporte difuso de color.

La función del artista es re-inventar la humanidad y la cultura de la imaginación es el medio para lograrlo.

Don Qui y Qui d’Eux, series de litografías de línea depurada, iluminadas con colores brillantes y trazos definidos e indefinidos en su propia maraña, crean un movimiento constante a las alucinaciones de Don Qui-Matta. Estas alucinaciones afloran en una propuesta surrealista netamente latinoamericana, que recuerda los códices antiguos de civilizaciones milenarias.

“Soy solamente un hombre que atestigua morfológicamnete lo que ve”. Y en una atmósfera difusa que concreta formas, y en la degradación de colores brillantes o sombríos, el artista descubre el camino de la abstracción, partiendo de lo figurativo hacia una síntesis lineal, y destacando siempre masas pictóricas con criterio expresivo, ideológico y visual.

Los pasteles de Matta inspirados en El Quijote también son dignos de ser destacados, composiciones que despliegan su importancia y su lenguaje pictórico alejándose de la definición, en una búsqueda ansiosa de la decoloración y del esfumado, favorecida por el áspero material que parece licuarse en su desplazamiento.

Delia Negro

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mayo 22, 2008 at 2:38 am

ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

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ARTE PLUMARIO EN EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK

Radiance from the Rain Forest: Featherwork in Ancient Peru

No podemos dejar de mencionar la trascendencia de este acontecimiento en el Museo Metropolitano de Nueva York, por ser la primera exhibición que se realiza en un museo de Estados Unidos, sobre este arte milenario.

El arte plumario es poco conocido entre las colecciones arqueológicas, su misma naturaleza y fragilidad hacen de él un testimonio raro y exótico.

Plumas de colores vibrantes, azules, amarillas, verdes y rojas amarradas sobre una superficie de sostén, se suceden formando composiciones cromáticas que constituyen un lenguaje en sí mismo. La lectura de cada pieza comienza por la técnica de confección de las mismas. Los tipos de plumas utilizados, sus formas y sus tamaños constituyen el lenguaje pictórico de cada expresión. Su textura sedosa y su colorido han sido características codiciadas en la elaboración de ropaje de ocasiones especiales, de ritos religiosos o guerreros o de simple ornamentación.

Pero sin duda el aporte de mayor relevancia en la composición visual de cada una de estas piezas, lo dan los colores. Tanto la luminosidad y las sombras, como la opacidad y las transparencias aparecen en este arte textil, tan bien logradas como los cromatismos aglutinados por la voluntad del artista plástico en su lienzo. La experiencia textil de los habitantes de esas zonas de Los Andes debe ser destacada y valorada en su justa medida. Este arte frecuentemente considerado menor, debe ser revalorizado y ubicado en el sitial que le corresponde dentro de las artes plásticas.

Cantidades incalculables de plumas de pájaros de la selva amazónica eran trasladadas hacia zonas del antiguo Perú y del Océano Pacífico. Ellas constituían un material precioso e indispensable para la confección de penachos, pectorales, túnicas ceremoniales, etc.; estética ritual imprescindible en ciertos tipos de celebraciones.

Este lujoso y sofisticado arte ritual constituye una milenaria tradición del Perú precolombino, aunque poco se conoce sobre su cultura específica. Tanto la literatura arqueológica como la plástica, han postergado su consideración tal vez por la propia naturaleza peredecedera de su material orgánico y por los pocos testimonios que se han conservado. Actualmente este arte sigue vivo en algunos pocos lugares de América Central, en los cuales se usa mayoritariamente la pluma del quetzal.

La colección expuesta durante estos meses en el Museo Metropolitano de Nueva York presenta más de setenta piezas. Aunque la mayoría de ellas están datadas entre los siglos VII y XVI después de Cristo, se pueden observar algunos exponentes de épocas anteriores a la era cristiana.

Todo lo dicho convierte a esta muestra en hecho de excepción a nivel internacional, considerando las pocas oportunidades que se presentan en la actualidad, de admirar un acervo histórico con estas características.

El Museo Metropolitano de Nueva York mantendrá esta exposición abierta al público hasta el 1 de setiembre.

Delia Negro

para ver las imagenes del Met vaya aqui.
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abril 13, 2008 at 11:53 pm

SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

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SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

“En cuanto a los surcos, los caminos o algunos otros de mis temas habituales, no son más que la Transportación de mis andares”

Joan Hernández Pijuan

Con un lenguaje plástico de profunda sencillez y síntesis, el artista catalán Joan Hernández Pijuan logra trascender la imagen granadina cotidiana, para alcanzar la forma depurada y meditada de un color en su pensamiento. Partiendo de un esbozo figurativo y llevándolo hacia un más allá de carácter filosófico representativo de lo individual, la obra de este artista se concreta en una representación misma de lo colectivo.

Su pintura es el resultado de una larga meditación sobre la naturaleza y su entorno; ella ingresa en el ámbito de lo abstracto sin abandonar completamente la representación inicial de una imagen filtrada a través de repeticiones de formas, de evocaciones, de simplificación representativa de una arquitectura perforada por la naturaleza, por la luz, por el sonido del agua, por los colores ocres de su vegetación. La naturaleza es el centro de su propia experiencia personal e intelectual y constituye el espacio mismo de su creación. La integración y mímesis del artista con ese espacio, lo convierten en el epicentro de la composición; expresión que volcada en un frágil papel japonés y expresada por el acuoso medio del gouache, acompaña la aparición-desaparición de un pensamiento huidizo e inasible. Borrarlo todo y construirlo todo…este parece ser el lema de concreción de una idea; la imagen se debe reducir al máximo para que el espacio cumpla su protagonismo y el silencio lo acompañe.

La superficie de la obra pictórica de Hernández Pijuan conduce al espectador a una ilusión. El espacio pleno del pensamiento sustituye la imagen primaria de una idea, que primero fue forma, pero que se convirtió en síntesis y apertura del mundo interior. Resulta sorprendente el proceso creativo de este artista, que se mueve dentro de una plástica expresiva de pocas líneas, de figuras geométricas de color único y uniforme, de ondulaciones…, casi bordando el paisaje de una filigrana arquitectónica integrada a la naturaleza, y referente de un todo inspirador, el encuentro de dos culturas en el suelo del Al Andalus.


Surcos, celosías, enrejados, luces y sonidos son parte de una memoria almacenada y convertida en parte integrante de su propia esencia. La textura y el pigmento, le sirven al artista para mirar el mundo a la distancia y hacer de la naturaleza el templo de su propia experiencia; experiencia que a su vez se centra en Granada, templo también de síntesis plástico-geométrica de contemplación de lo natural.


Delia Negro

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mayo 31, 2007 at 6:22 pm

THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN – Jaume Plensa

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THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN — Jaume Plensa

Ya por el año 1994, el escultor catalán Jaume Plensa, exploraba vías de expresión plástica renovadoras a través de la escultura del espacio público. Buscando su línea expresiva en el tamaño escultórico tradicional y destacando masa, volumen y materia, su obra se concretaba sin embargo en una propuesta de carácter conceptual, creando así toda una filosofía poética que invitaba a la reflexión. Uno de los resultados de esta búsqueda fue la excepcional escultura The Personal Miraculous Fountain, premiada por Henry Moore Sculpture Trust (1994). Creemos que este hecho debe destacarse por la calidad escultórica de esta pieza y por la relación que esta obra de Plensa tiene con The Crown Fountain, la fuente del mismo autor del Millenium Park de Chicago.

En las décadas posteriores al surgimiento del cubismo, el concepto de escultura va sufriendo una re-definición. Hasta ese momento había significado el proceso de representación de una figura real en tres dimensiones. Sin embargo después de este movimiento artístico, ya no será más la representación de una figura real, sino mental o conceptual. La obra escultórica se fue convirtiendo así en objeto de cuestionamiento, de reflexión, de participación y desplazamiento en su interpretación y fue transformando el espacio físico en campo conceptual.

Es así que la obra de Jaume Plensa The Personal Miraculous Fountain se concreta en su representación en fuente de pensamiento, de comunicación, de encuentro con el otro y proporciona materialidad insinuando oralidad. Esa forma oval voluminosa es el origen de la vida, es un huevo contenedor de memoria que evoca el ciclo del eterno retorno. Ese continuo fluir del agua es la vida que no se detiene. La palabra viva está implícita en la materia que pierde su esencia de solidez, para diluirse en el agua de vida y de devenir cotidiano.

Si bien esta escultura posee todos los méritos para declararla una obra excepcional, cobra fundamental importancia, por significar un antecedente de exploración de otra fuente: The Crown Fountain.

Esta última, culminación de volumen escultórico sólido, pero ahora de materia liviana, constituye un lugar de encuentro en una dinámica de bloques de vidrio que se diluyen en agua de vida y en vida en el agua; seres humanos que se comunican y que expulsan un chorro vital sobre otros de su misma especie con los cuales interactúan; imágenes que convocan y repiten ese rito de vida, de agua, de palabras, de sonido, de participación, que se encadenan con un retorno de su propia vitalidad.

Una fuente, otra fuente… de materia, de agua-vida, de agua-sonido, de palabras, de luz, de génesis, de cosmos, de retorno al embrión…este es el lenguaje plástico y eterno de Jaume Plensa, escultor ya consagrado entre los grandes de nuestro tiempo.

The Personal Miraculous Fountain, es símbolo de modernidad y arte conceptual, es génesis de lugar de encuentro, es un antecedente de la fuente de Jaume Plensa, The Crown Fountain del Millenium Park de la ciudad de Chicago.

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marzo 27, 2007 at 2:01 am

PROHIBIDO NO TOCAR – Pablo Atchugarry

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PROHIBIDO NO TOCAR – Pablo Atchugarry

Rosina Mascheroni

Las esculturas de Pablo Atchugarry parecen pedir a gritos ser tocadas. En febrero de este año 2007 tuve oportunidad de visitar su casa-taller en Manantiales (Uruguay). Casi de contrabando me atreví a tocar la superficie de mármol de una de sus obras. Luego de leer su libro, “Fragmentos de una vida”, me sentí eximida de culpa. Allí él relata una experiencia personal muy emotiva ocurrida en una Feria de Arte en Amsterdam. Un hombre no vidente reconocía las piezas al tacto, eligió tres obras y luego interrogó al artista: “Usted, al tacto, ¿cuál de estas obras elegiría?” El artista cerró los ojos y comenzó su reconocimiento, finalmente eligió una. El hombre le confió: “Es la misma que había elegido yo”.

Sin duda esta percepción exclusivamente táctil que el hombre solicitaba al artista es la comprobación de que la escultura de Pablo Atchugarry habla varios lenguajes.

Las esculturas de Pablo Atchugarry provocan en quien las observa una especie de éxtasis. Podría definirlo como un estado primario de admiración. Una fuerte energía envolvente se escapa de la materia, del mármol luminoso y lo atrapa a uno entre sus pliegues. Esa fuerza escultórica genera un espacio en el espacio, es como un halo que inspira respeto y que exige distancia para la contemplación. Pero es esa maravillosa ambigüedad de toda obra de arte la que hace que a la vez ellas ejerzan una atracción cósmica que contiene, que retiene, que invita a palpar para comprobar que el mármol no será nunca más frío, desde el momento que el escultor ha atrapado la forma que canaliza la energía. La calidez de ese mármol reside en su forma envolvente de pliegues profundos como el alma del creador, de formas flexibles que se derrochan en secuencias que envuelven, desenvuelven, que arrollan y desarrollan, que hacen de la piedra materia maleable, cálida protectora, que acaricia e invita a la caricia, que ampara, que contiene. Esos pliegues parecen desplegarse al infinito, ese permanente fluir es el eterno retorno, es el movimiento perpetuo en la inmovilidad de la piedra, es la relatividad y la eternidad plasmada en la materia. Es el cosmos.

ROSINA MASCHERONI

Bibliografía
-“Fragmentos de una vida” Pablo Atchugarry- Conversación con Valeria Campagni- CBA Imprenta Editorial- Diciembre 2006.
-“Recuerdos” María Cristina Bonomi- CBA Imprenta Editorial- Diciembre 2006

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marzo 4, 2007 at 2:30 am

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

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PABLO ATCHUGARRY …

BUSCADOR DE LUZ Y TRANSPARENCIA EN LA TERCERA DIMENSIÓN

Atraído por una sensibilidad vivencial de inmigrante, heredada de sus antepasados inmediatos, el escultor uruguayo Pablo Atchugarry orienta su quehacer artístico hacia un encuentro con una de las fuentes originales del arte estatuario, la tierra italiana y el mármol de Carrara. Estos dos componentes serán reveladores del quehacer creativo del artista y acelerarán un proceso evolutivo de su sensibilidad, que buscaba encontrar vías de expresión más significativas en la materia y en la tercera dimensión, dentro de un espacio profundo y envolvente.

Ya en tierra italiana y en pleno proceso de exploración, las circunstancias lo llevan a recibir un pedido de una escultura en mármol de Carrara y es así que la materia viene a su encuentro para sellar una vinculación definitiva y permanente del artista con esa piedra mágica, la cual es en la actualidad, su mayor motivo de inspiración. Su inteligencia creadora se concreta entonces en una labor sin retorno, en una búsqueda constante de transparencia y pureza, de movimiento y verticalidad, de comunicación y síntesis, entre la escultura clásica y la contemporánea.

Atchugarry comienza su trabajo eligiendo él mismo su materia prima: el mármol más puro y traslúcido que se extrae en la región. Ese bloque de piedra le transmite una energía especial y una emoción, que le permiten adentrarse en ella y descubrir el significado que ella encierra.

La obra de este escultor es una síntesis de pensamiento y emoción, de imagen plástica y verticalidad, de espacio y luz, de pureza estética mediterránea, de liviana percepción visual, que se definen en un movimiento milenario de pliegues en tensión, que definen un estilo, una personalidad y un mensaje individual hacia lo colectivo.

Su honestidad intelectual y su perseverancia en la búsqueda de la forma, lo llevan a concebir un lenguaje estético compartido con los trabajadores de las canteras…ellos son parte importante de la elección de cada bloque, ellos son parte de la iniciación del proceso creativo. A continuación, la misión del artista es liberar la forma, haciendo intervenir a su imaginación, sensibilidad e inteligencia creativa.

“Soñando la paz” es una instalación de ocho esculturas, presentada por el artista en la 50 Bienal de Venecia en el año 2003. Esta obra es una danza blanca de líneas verticales, que eleva sus formas hasta un espacio desconocido, y que canta, pidiendo y buscando una unidad. Ella demuestra una vez más, cómo la plástica puede pensar en la paz y contribuir con ella. “Soñando la paz” es una obra individual y de pensamiento único, que sin embargo puede convertirse en colectivo, al ser expuesto en un espacio “coral” (usando palabras del artista) y comunicador. Sencillamente otro Guernica que denuncia con una tensión estética y grupal, colectiva y sonora.

Actualmente Pablo Atchugarry mantiene dos talleres entre los cuales distribuye su tiempo creativo, uno en Lecco, Italia, cerca de Carrara y otro en Manantiales, cerca de Punta del Este, Uruguay. Es así que el artista mezcla el aire del Lago di Como, presencia permanente en su infancia y añorada por una abuela italiana que la alimentaba, con el aire puro de una tierra todavía salvaje y natural, de arenales y océano, sobre el Atlántico Sur, que le proporciona el ambiente adecuado para liberar su creatividad y seguir soñando con la paz….desde su estudio y desde su mundo interior.

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febrero 13, 2007 at 2:53 pm

EXPLORACIÓN DIDÁCTICA EN LA FERIA DE ARTE DE BOGOTÁ

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EXPLORACIÓN DIDÁCTICA EN LA FERIA DE ARTE DE BOGOTÁ

En los últimos días de noviembre, en la ciudad de Bogotá, se realizó por segundo año consecutivo, la Feria Internacional de Arte, ARTBO. Más de 50 galerías locales e internacionales expusieron obras, tanto de artistas reconocidos como emergentes. Este acontecimiento ha ido consolidando el quehacer artístico de la región, ofreciendo un espacio para la difusión del arte colombiano e hispanoamericano.

La Cámara de Comercio de Bogotá responsable de la organización, considera que siguiendo la experiencia de otras ciudades del mundo, con este tipo de ferias de arte “se estimula el turismo, se genera una cultura artística y se mejora la competitividad en una región polifacética y cultural”. Así mismo, la presencia de galerías de arte de carácter internacional, multiplica la oferta cultural y abre la puerta a nuevas tendencias en la dinámica expresiva local. Es necesario destacar el movimiento artístico que está teniendo esta ciudad y la existencia en este momento de 8 universidades con programas de formación en este campo.

El espacio de ARTBO tiene un fin netamente comercial, dedicado a coleccionistas y amantes del arte, como es común en este tipo de eventos. Pero en esta feria se pudieron observar otras actividades paralelas dignas de ser destacadas. Foros interactivos, representaciones de arte en vivo o talleres para niños, contribuyeron a ampliar la oferta cultural más allá del objetivo comercial, cumpliendo una función social, de real importancia educativa.

En la sala infantil se ofrecían juegos de exploración didáctica que permitían a los asistentes desarrollar ejercicios de percepción y apreciación del arte, en actividades interactivas de formación. En un mundo en el cual la imagen ha pasado a ser parte del lenguaje cotidiano, la formación de los jóvenes en este ámbito se hace cada vez más necesaria. Las nuevas tecnologías y la publicidad están exigiendo modificaciones y ampliaciones de la educación tradicional y actualmente es tan importante desarrollar habilidades de comprensión lectora, como de percepción visual. Saber mirar constituye actualmente una ventaja para muchas profesiones; y es así que el Art Institute of Chicago está desarrollando programas de formación visual para médicos y enfermeras. El adiestramiento visual de estos profesionales optimizará la emisión de diagnósticos más precisos y acertados. De la misma manera los foros interactivos o las representaciones de arte en vivo, brindaron en esta feria la oportunidad de participar a los asistentes adultos en general, ampliando la finalidad inicialmente comercial del evento y desarrollando la creatividad en beneficio de la comunidad.

La Feria de Arte de Bogotá ha sentado un precedente, ampliando sus objetivos y brindando al público un lugar de encuentro, un espacio de formación y difusión de la cultura, que contribuye a fortalecer las raíces de una forma de ser, de vivir y de pensar, que quiere manifestarse y decir presente en el devenir cotidiano contemporáneo.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

diciembre 5, 2006 at 3:46 am