Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA” – ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA”
ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

Con este título la Fundación Cisneros ha presentado meses atrás parte de su colección en Grey Art Gallery -New York University. Esta fundación que ha orientado sus objetivos hacia la difusión y educación, posee una de las colecciones de arte latinoamericano más importantes.

La abstracción, una corriente de real importancia artística en América del Sur y conectada directamente con el mundo precolombino, ha sido opacada en cierta forma por la fuerza imaginativa popular del Muralismo Mexicano y también por la proliferación de imágenes del Realismo Mágico.

El arte latinoamericano visto desde el punto de vista mediático, evoca una imagen figurativa, colorida y definida, que induce siempre a vincularlo con grandes nombres como el del colombiano Fernando Botero o con los muralistas mexicanos o Frida Kahlo. Pero sin desmerecer los valores innegables de estos plásticos de nuestra cultura, esta exhibición reivindicó y difundió otras corrientes que alcanzaron también niveles de definición de movimientos artísticos dentro de nuestro continente.

Así pues esta corriente de abstracción fue valorada en su justa medida en esta muestra titulada “La geometría de la Esperanza”. Este título encierra dos ideas: un lenguaje visual matemático y preciso, y un idealismo de progreso basado en lo estético…el arte puede cambiar al mundo a través de la razón, el orden y el progreso.

“Ir pues, a un arte autóctono. Repudiar lo importado, reteniendo la enseñanza que pudo darnos. Porque al fin, América debe tener su arte propio: pongamos nosotros la primera piedra. Un solo tronco para el arte y la cultura de América, pero árbol con raíz en lo profundo, del que puedan salir innumerables brotes y ramas. Creo que es la hora de pensar así y de trabajar en tal sentido…un arte capaz de manifestar la esencialidad americana”
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 49

La abstracción como estilo expresivo sentó precedentes en América del Sur desde comienzos del siglo XX y con gran impulso renovador, recibiendo influencias europeas de vanguardia, se concretó en un arte puramente latinoamericano, y el simbolismo precolombino pasó a formar parte fundamental de esta nueva corriente.

Comenzando en Montevideo alrededor de 1930 y continuando en Buenos Aires en los 40, en Sao Paulo y Río de Janeiro en los 50 y 60 y sucesivamente en París y en Caracas, en los 60 y 70, una producción plástica local de auténtica expresión latinoamericana hace su aparición. La inclusión de París dentro de este grupo de ciudades de América del Sur, es debida a los frecuentes desplazamientos de artistas plásticos latinoamericanos a la Meca del arte del momento: la “Ciudad Luz”. En ese entorno referencial y nutriente de nuevas ideas, la creatividad afloraba, aunque manteniendo la autenticidad de los orígenes de la tierra americana. En muchas ocasiones esta abstracción no solamente se desarrolló dentro del ámbito internacional y recibió sus influencias, sino que también contribuyó con notorios aportes.

La “Escuela del Sur”, punto de partida y de referencia del arte abstracto de la región, fue fundada en Montevideo por el maestro Joaquín Torres García, pieza clave de una filosofía de mestizaje cultural, que logró unir la interacción de ideas peninsulares de búsqueda del arte primitivo y renovador, con las ruinas precolombinas portadoras de enseñanzas milenarias, y ocultas hasta el momento para los ojos de la creatividad contemporánea. Este uruguayo de padres inmigrantes españoles, recibió una formación plástica de vanguardia en Barcelona y al trasladarse nuevamente a su tierra natal, creó toda una corriente estético-filosófica llamada por él mismo, Universalismo Constructivo.

Manuel Pailós, Julio Alpuy, José Gurvich, Gonzalo Fonseca son algunos de los exponentes de esa Escuela del Sur, que junto con Torres García sentaron las bases de la naciente abstracción latinoamericana. “Nuestro Norte es el Sur” era su consigna.

Otros exponentes de la abstracción fueron Alfredo Hlito y Tomás Maldonado de Argentina, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez de Venezuela, Gerardo Barros, Waldemar Cordeiro y Helio Oiticica de Brasil, entre los más destacados.

. El creciente interés internacional demostrado por los coleccionistas e inversores en el arte latinoamericano, nos hacen ampliar nuestra visión y nos conducen a una exploración más allá de lo conocido, dando luz sobre una América Latina que también se ha destacado por una expresión artística de abstracción y arte geométrico.

“Por el hecho de pensar en una estructura, es decir, de relación entre los diferentes elementos de una obra para llegar a la unidad estética, el arte se pone en otro plano. En primer lugar se sitúa en lo geométrico (verdadero lenguaje de la plástica). Transpone lo anecdótico a lo universal, se sitúa en la verdad de lo abstracto y por todo esto eleva el tono de la obra dotándola de un espíritu grande”.
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 33.

Delia Negro

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SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

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SÍNTESIS EXPRESIVA DE UNA PLÁSTICA DEPURADA Y SILENCIOSA

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

“En cuanto a los surcos, los caminos o algunos otros de mis temas habituales, no son más que la Transportación de mis andares”

Joan Hernández Pijuan

Con un lenguaje plástico de profunda sencillez y síntesis, el artista catalán Joan Hernández Pijuan logra trascender la imagen granadina cotidiana, para alcanzar la forma depurada y meditada de un color en su pensamiento. Partiendo de un esbozo figurativo y llevándolo hacia un más allá de carácter filosófico representativo de lo individual, la obra de este artista se concreta en una representación misma de lo colectivo.

Su pintura es el resultado de una larga meditación sobre la naturaleza y su entorno; ella ingresa en el ámbito de lo abstracto sin abandonar completamente la representación inicial de una imagen filtrada a través de repeticiones de formas, de evocaciones, de simplificación representativa de una arquitectura perforada por la naturaleza, por la luz, por el sonido del agua, por los colores ocres de su vegetación. La naturaleza es el centro de su propia experiencia personal e intelectual y constituye el espacio mismo de su creación. La integración y mímesis del artista con ese espacio, lo convierten en el epicentro de la composición; expresión que volcada en un frágil papel japonés y expresada por el acuoso medio del gouache, acompaña la aparición-desaparición de un pensamiento huidizo e inasible. Borrarlo todo y construirlo todo…este parece ser el lema de concreción de una idea; la imagen se debe reducir al máximo para que el espacio cumpla su protagonismo y el silencio lo acompañe.

La superficie de la obra pictórica de Hernández Pijuan conduce al espectador a una ilusión. El espacio pleno del pensamiento sustituye la imagen primaria de una idea, que primero fue forma, pero que se convirtió en síntesis y apertura del mundo interior. Resulta sorprendente el proceso creativo de este artista, que se mueve dentro de una plástica expresiva de pocas líneas, de figuras geométricas de color único y uniforme, de ondulaciones…, casi bordando el paisaje de una filigrana arquitectónica integrada a la naturaleza, y referente de un todo inspirador, el encuentro de dos culturas en el suelo del Al Andalus.


Surcos, celosías, enrejados, luces y sonidos son parte de una memoria almacenada y convertida en parte integrante de su propia esencia. La textura y el pigmento, le sirven al artista para mirar el mundo a la distancia y hacer de la naturaleza el templo de su propia experiencia; experiencia que a su vez se centra en Granada, templo también de síntesis plástico-geométrica de contemplación de lo natural.


Delia Negro

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mayo 31, 2007 at 6:22 pm

JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

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JIMÉNEZ DEREDIA Y SU IMAGEN GEOMÉTRICO – FIGURATIVA

La Academia delle Arti del Disegno de Florencia ha incorporado como miembro activo de esa institución al escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia. Como primer artista latinoamericano que recibe ese honor, Jiménez Deredia puede ser definido también como pensador y filósofo. Su obra es el producto de una reflexión profunda sobre sus orígenes, y tanto su plástica como su vida se convierten en una recuperación del pensamiento vivido y heredado, de una cultura ancestral. Su utopía es recuperar la esencia del ser y el sentido de la circularidad, que lo conducen directamente a los orígenes del hombre. Su expresión plástica se conecta con la visión simbólica del pasado; lo recupera, lo incorpora y lo comparte con el espectador, en una retrospección colectiva de carácter circular.

Jorge Jiménez nació en el pueblo de Heredia en territorio costarricense y ese afán de volver al punto inicial de ese todo esférico y circular, lo lleva a adoptar como segundo apellido el lugar de sus orígenes. Es así que Jiménez Deredia trasciende su herencia familiar, profundizando su búsqueda en el devenir histórico de los Borucas, pobladores del suroeste de Costa Rica en la época precolombina.

La filosofía de este escultor se inicia en la observación de emblemáticas esferas precolombinas de una antigua civilización de hace más de 4000 años.

El impacto racional de estas imágenes, el círculo, la esfera y la forma cerrada resultante, marcan en él el inicio de una incansable búsqueda geométrica hacia la medida, el orden, la exactitud en la proporción, tanto en la vida como en la expresión plástica. Esta exploración lo llevará a Italia y a residir cerca de Carrara, y será allí donde encontrará los materiales y el ambiente propicio, para cerrar y unir los dos extremos de ese círculo expresivo, plástico y racional iniciado un día en su tierra natal.

Su vida es una constante investigación metafórica a través del arte, durante la cual recorre la idea de inicio y final en cada creación y para la cual se siente llamado por una fuerza vital de esférico creativa ineludible.

El concepto de la transmutación de la materia, lo lleva a alcanzar la casi desaparición de la misma, despojando al mármol o al bronce de sus propiedades esenciales, el peso o la rigidez, haciéndolos flotar en una sola forma, la esférica, origen de todas las cosas. En el sentido de la transmutación se encuentra el significado mismo de la transformación de la vida y en este escultor el proceso creativo es el motor de la imagen volumétrica.


La reciente exposición del mundo geométrico-figurativo de Jiménez Heredia en los Jardines del Bobolli en Florencia, dio lugar a ese reconocimiento de la Academia delle Arti del Disegno. En ese verde y artístico escenario, la naturaleza hizo suya cada pieza escultórica, incorporándola a su esencia vital, reintegrándola a su mundo vegetal y a su constante transmutación…uniendo así dos extremos de una filosofía que nace en el mundo de los Borucas y que se completa en el orden, equilibrio y transparencia de las tierras de Carrara.

Delia Negro

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noviembre 25, 2006 at 9:49 pm

SYDIA REYES Y EL DESPERTAR DE “LOS BELLOS DURMIENTES”

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SYDIA REYES Y EL DESPERTAR DE “LOS BELLOS DURMIENTES”

Por los años 70 vivíamos en Caracas y la llegada de una exposición de esculturas de Henry Moore al Museo de Bellas Artes de la ciudad, conmocionó a toda la población. Fue necesario remover un sector del techo del museo, para que las grúas pudieran depositar en las salas, las monumentales esculturas recién llegadas desde el exterior. Este acontecimiento se convirtió en el mejor anuncio publicitario para la exposición y la expectativa formó largas colas a la entrada del museo.

En aquella ciudad de las casas grandes y las cosas grandes, los espacios eran los de la abundancia… en la arquitectura, en el diseño urbanístico, en el arte, en la música, en la literatura…y también lo fue para la escultura. Esta apertura al exterior amplió la motivación, y la inspiración y la creatividad lograron la renovación y el crecimiento acelerado de una disciplina que hasta el momento había tenido un lento desarrollo. La escultura comenzó así a transformarse en una expresión de carácter volumétrico y conceptual, geométrico y profundamente plástico. Muchos fueron los artistas que hicieron posible esta transformación y la lista de nombres es extensa comparativamente con otros países latinoamericanos.

Una de sus máximas exponentes, Sydia Reyes, radicada actualmente en Chicago, inicia su carrera allá por los años 90. La huella de ese ambiente entusiasta y monumental de su propia tierra, es notoria en cada una de sus obras. La denuncia social adquiere en ella un matiz de fe y confianza en lo que hace y transmite al observador el placer de la contemplación, en el entusiasmo y la esperanza. El carácter social y conceptual de cada una de sus obras se irá intensificando en lo geométrico y será éste el camino que esta escultora escogerá al lanzarse a la conquista del espacio. Ángulos, rectas, curvas y figuras geométricas disiparán la abstracción y despertarán a cada objeto urbano en su simbología y en su metáfora de lo cotidiano. Entre los materiales más usados, el hierro y el acero serán sus protagonistas

Para esta escultora la calle es su propio escenario; es el espacio inagotable y es el proveedor constante que cada día le ofrece un verdadero desafío. Sus ojos apoyándose en cada objeto, van recogiendo imágenes y materia, encontrando en lo metálico el mayor atractivo. Objetos inmóviles, desechados, sin vida útil, intrusos en la imagen cotidiana, se ablandan, se aflojan, se retuercen, se alargan y se ensanchan frente a la mirada de Sydia Reyes. Cada caño, alcantarilla o durmiente parecen personajes en busca de un autor; parecen caprichos a la espera de que alguien los recoja, les inyecte creatividad y los convierta en objetos no perecederos en el mundo del arte, alejándolos definitivamente de lo utilitario y lo cotidiano.

El escenario elegido para su ubicación posterior seguirá siendo la calle; pero cada objeto después de ser intervenido por esa visión selectora y de extremada sensibilidad plástica, pasará a ser observado y su categoría dejará de ser utilitaria para convertirse en estética y artística, recuperando así una función ciudadana muy por encima de lo utilitario.

La lectura de las obras de Sydia Reyes nos remite a lo subterráneo en la calle y en el espíritu, a lo que va por debajo de la alcantarilla o por debajo de lo visible; sugiere soledad y opresión, pero al mismo tiempo ofrece también una reivindicación a través del hecho artístico.

Su escultura es social y urbanística, es acusadora y estética, pero es también salvadora en su discurso. La pesadez conceptual y material parecen flotar en el espacio y la genialidad de la escultora transforma el hierro, el acero o el aluminio en vasos comunicantes de una preocupación netamente social.

Visitar su estudio es poder mirar el mundo desde donde ella misma lo hace como observadora de lo urbano…una vieja edificación de ladrillos y hierros cobija un extenso espacio, gris, amable y acogedor. A través de grandes ventanales que parecen servir de puntos de observación del cambiante devenir cotidiano, se puede observar “desde lo subterráneo”, el ángulo inferior de una autopista, motivo de inspiración para cada trabajo a emprender. Un día es un árbol vacío que denuncia la invasión de lo metálico sobre el bosque, otro día es un hierro “descarriado” que parece danzar en el movimiento de un punto fijo, o tal vez una rejilla de gran tamaño que evoca los durmientes, “los bellos durmientes” de cada vía, de cada camino, de cada vida.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

octubre 24, 2006 at 11:58 pm