Cartelera de Delia Negro

Comentarios y tendencias sobre arte contemporáneo en Latinoamérica y España

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA” – ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

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“THE GEOMETRY OF HOPE”-“LA GEOMETRÍA DE LA ESPERANZA”
ARTE ABSTRACTO DE AMÉRICA LATINA

Con este título la Fundación Cisneros ha presentado meses atrás parte de su colección en Grey Art Gallery -New York University. Esta fundación que ha orientado sus objetivos hacia la difusión y educación, posee una de las colecciones de arte latinoamericano más importantes.

La abstracción, una corriente de real importancia artística en América del Sur y conectada directamente con el mundo precolombino, ha sido opacada en cierta forma por la fuerza imaginativa popular del Muralismo Mexicano y también por la proliferación de imágenes del Realismo Mágico.

El arte latinoamericano visto desde el punto de vista mediático, evoca una imagen figurativa, colorida y definida, que induce siempre a vincularlo con grandes nombres como el del colombiano Fernando Botero o con los muralistas mexicanos o Frida Kahlo. Pero sin desmerecer los valores innegables de estos plásticos de nuestra cultura, esta exhibición reivindicó y difundió otras corrientes que alcanzaron también niveles de definición de movimientos artísticos dentro de nuestro continente.

Así pues esta corriente de abstracción fue valorada en su justa medida en esta muestra titulada “La geometría de la Esperanza”. Este título encierra dos ideas: un lenguaje visual matemático y preciso, y un idealismo de progreso basado en lo estético…el arte puede cambiar al mundo a través de la razón, el orden y el progreso.

“Ir pues, a un arte autóctono. Repudiar lo importado, reteniendo la enseñanza que pudo darnos. Porque al fin, América debe tener su arte propio: pongamos nosotros la primera piedra. Un solo tronco para el arte y la cultura de América, pero árbol con raíz en lo profundo, del que puedan salir innumerables brotes y ramas. Creo que es la hora de pensar así y de trabajar en tal sentido…un arte capaz de manifestar la esencialidad americana”
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 49

La abstracción como estilo expresivo sentó precedentes en América del Sur desde comienzos del siglo XX y con gran impulso renovador, recibiendo influencias europeas de vanguardia, se concretó en un arte puramente latinoamericano, y el simbolismo precolombino pasó a formar parte fundamental de esta nueva corriente.

Comenzando en Montevideo alrededor de 1930 y continuando en Buenos Aires en los 40, en Sao Paulo y Río de Janeiro en los 50 y 60 y sucesivamente en París y en Caracas, en los 60 y 70, una producción plástica local de auténtica expresión latinoamericana hace su aparición. La inclusión de París dentro de este grupo de ciudades de América del Sur, es debida a los frecuentes desplazamientos de artistas plásticos latinoamericanos a la Meca del arte del momento: la “Ciudad Luz”. En ese entorno referencial y nutriente de nuevas ideas, la creatividad afloraba, aunque manteniendo la autenticidad de los orígenes de la tierra americana. En muchas ocasiones esta abstracción no solamente se desarrolló dentro del ámbito internacional y recibió sus influencias, sino que también contribuyó con notorios aportes.

La “Escuela del Sur”, punto de partida y de referencia del arte abstracto de la región, fue fundada en Montevideo por el maestro Joaquín Torres García, pieza clave de una filosofía de mestizaje cultural, que logró unir la interacción de ideas peninsulares de búsqueda del arte primitivo y renovador, con las ruinas precolombinas portadoras de enseñanzas milenarias, y ocultas hasta el momento para los ojos de la creatividad contemporánea. Este uruguayo de padres inmigrantes españoles, recibió una formación plástica de vanguardia en Barcelona y al trasladarse nuevamente a su tierra natal, creó toda una corriente estético-filosófica llamada por él mismo, Universalismo Constructivo.

Manuel Pailós, Julio Alpuy, José Gurvich, Gonzalo Fonseca son algunos de los exponentes de esa Escuela del Sur, que junto con Torres García sentaron las bases de la naciente abstracción latinoamericana. “Nuestro Norte es el Sur” era su consigna.

Otros exponentes de la abstracción fueron Alfredo Hlito y Tomás Maldonado de Argentina, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez de Venezuela, Gerardo Barros, Waldemar Cordeiro y Helio Oiticica de Brasil, entre los más destacados.

. El creciente interés internacional demostrado por los coleccionistas e inversores en el arte latinoamericano, nos hacen ampliar nuestra visión y nos conducen a una exploración más allá de lo conocido, dando luz sobre una América Latina que también se ha destacado por una expresión artística de abstracción y arte geométrico.

“Por el hecho de pensar en una estructura, es decir, de relación entre los diferentes elementos de una obra para llegar a la unidad estética, el arte se pone en otro plano. En primer lugar se sitúa en lo geométrico (verdadero lenguaje de la plástica). Transpone lo anecdótico a lo universal, se sitúa en la verdad de lo abstracto y por todo esto eleva el tono de la obra dotándola de un espíritu grande”.
Joaquín Torres García- Universalismo Constructivo- Lección 33.

Delia Negro

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CERVANTEAR… AL ESTILO ROBERTO MATTA

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CERVANTEAR…  AL ESTILO DE ROBERTO MATTA

“Cervantear es alzar la lanza a dos manos en contra de los churrulleros que deslizan entre nosotros sus descarrillados cuentos,cervantear es desgañitarnos en contra de sus desmorroneantes desparpajos hollywoohediondos de pinochetorreas,cervantear es hazañar hazañas y sus helechos en el lecho del hecho…”

“Don Quejados de las Manchas” – Roberto Matta

El 11-11-2011 se cumplirá el centenario del nacimiento de Roberto Matta y con estas líneas nos anticipamos y sumamos al acontecimiento. Este chileno nacido en 1911, un 11 del 11, consideraba esta fecha casi de carácter cabalístico, pero además la leyenda agrega que había nacido a las 11 de la mañana… excelente presentación para uno de los hijos del surrealismo.

Roberto Matta se definía a sí mismo como el “poeta de la expresión plástica”…“mis cuadros son paisajes del inconsciente”

Pintar con palabras….parafrasear con colores era su estilo. Comprometido y convencido con su función, consideraba que la misión del arte es “construir una conciencia” y la del artista es actuar como mediador para que ello se cumpla.

“Yo soy la imagen de un personaje combatiente, que combate en sí mismo y en contra de este mundo”. Como Do Qui, Matta expresa un conflicto entre la necesidad de cambiar el mundo y la necesidad de cambiar su propia vida. Dos locuras geniales se encuentran en la alucinación cotidiana y juegan con la palabra, la imagen y el color.

Matta no ilustra al Quijote, por lo contrario, comparte con él alucinaciones que producen formas y que flotan en un soporte difuso de color.

La función del artista es re-inventar la humanidad y la cultura de la imaginación es el medio para lograrlo.

Don Qui y Qui d’Eux, series de litografías de línea depurada, iluminadas con colores brillantes y trazos definidos e indefinidos en su propia maraña, crean un movimiento constante a las alucinaciones de Don Qui-Matta. Estas alucinaciones afloran en una propuesta surrealista netamente latinoamericana, que recuerda los códices antiguos de civilizaciones milenarias.

“Soy solamente un hombre que atestigua morfológicamnete lo que ve”. Y en una atmósfera difusa que concreta formas, y en la degradación de colores brillantes o sombríos, el artista descubre el camino de la abstracción, partiendo de lo figurativo hacia una síntesis lineal, y destacando siempre masas pictóricas con criterio expresivo, ideológico y visual.

Los pasteles de Matta inspirados en El Quijote también son dignos de ser destacados, composiciones que despliegan su importancia y su lenguaje pictórico alejándose de la definición, en una búsqueda ansiosa de la decoloración y del esfumado, favorecida por el áspero material que parece licuarse en su desplazamiento.

Delia Negro

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mayo 22, 2008 at 2:38 am

THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN – Jaume Plensa

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THE PERSONAL MIRACULOUS FOUNTAIN — Jaume Plensa

Ya por el año 1994, el escultor catalán Jaume Plensa, exploraba vías de expresión plástica renovadoras a través de la escultura del espacio público. Buscando su línea expresiva en el tamaño escultórico tradicional y destacando masa, volumen y materia, su obra se concretaba sin embargo en una propuesta de carácter conceptual, creando así toda una filosofía poética que invitaba a la reflexión. Uno de los resultados de esta búsqueda fue la excepcional escultura The Personal Miraculous Fountain, premiada por Henry Moore Sculpture Trust (1994). Creemos que este hecho debe destacarse por la calidad escultórica de esta pieza y por la relación que esta obra de Plensa tiene con The Crown Fountain, la fuente del mismo autor del Millenium Park de Chicago.

En las décadas posteriores al surgimiento del cubismo, el concepto de escultura va sufriendo una re-definición. Hasta ese momento había significado el proceso de representación de una figura real en tres dimensiones. Sin embargo después de este movimiento artístico, ya no será más la representación de una figura real, sino mental o conceptual. La obra escultórica se fue convirtiendo así en objeto de cuestionamiento, de reflexión, de participación y desplazamiento en su interpretación y fue transformando el espacio físico en campo conceptual.

Es así que la obra de Jaume Plensa The Personal Miraculous Fountain se concreta en su representación en fuente de pensamiento, de comunicación, de encuentro con el otro y proporciona materialidad insinuando oralidad. Esa forma oval voluminosa es el origen de la vida, es un huevo contenedor de memoria que evoca el ciclo del eterno retorno. Ese continuo fluir del agua es la vida que no se detiene. La palabra viva está implícita en la materia que pierde su esencia de solidez, para diluirse en el agua de vida y de devenir cotidiano.

Si bien esta escultura posee todos los méritos para declararla una obra excepcional, cobra fundamental importancia, por significar un antecedente de exploración de otra fuente: The Crown Fountain.

Esta última, culminación de volumen escultórico sólido, pero ahora de materia liviana, constituye un lugar de encuentro en una dinámica de bloques de vidrio que se diluyen en agua de vida y en vida en el agua; seres humanos que se comunican y que expulsan un chorro vital sobre otros de su misma especie con los cuales interactúan; imágenes que convocan y repiten ese rito de vida, de agua, de palabras, de sonido, de participación, que se encadenan con un retorno de su propia vitalidad.

Una fuente, otra fuente… de materia, de agua-vida, de agua-sonido, de palabras, de luz, de génesis, de cosmos, de retorno al embrión…este es el lenguaje plástico y eterno de Jaume Plensa, escultor ya consagrado entre los grandes de nuestro tiempo.

The Personal Miraculous Fountain, es símbolo de modernidad y arte conceptual, es génesis de lugar de encuentro, es un antecedente de la fuente de Jaume Plensa, The Crown Fountain del Millenium Park de la ciudad de Chicago.

Delia Negro

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marzo 27, 2007 at 2:01 am

LA FOTOGRAFÍA DE CARLOS SAURA

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LA FOTOGRAFÍA DE CARLOS SAURA

Poco conocido por su fotografía, Carlos Saura habla de su pasión creativa, definiéndose como amateur en este arte. Rechaza la palabra profesional y prefiere ser dueño de la libertad de crear.

Su arte fotográfico nace del instante captado por la cámara, instante que eterniza la manifestación única de un sentimiento compartido, entre artista- camarógrafo y objetivo-espectador. Su trabajo es una indagación sobre el proceso de creación, el cual comparte con su público en un análisis profundo de forma, fondo y movimiento.

Esta imagen fotográfica, al ser trasladada a la pantalla grande, adquiere su vitalidad máxima y se manifiesta en un ritmo del claroscuro, del blanco y negro y se va reflejando en cada espejo y prolongando en cada panel de proyección, creando un fondo músico- visual que recoge la realidad y la proyecta a la imaginación. Obsesivo de la imagen, Saura la toma, la estudia, la observa y la disfruta en la repetición y en la prolongación; despoja la escena de elementos distractores y estimula el ritmo creativo en la transparencia del fondo. Los espejos actúan como multiplicadores de una forma, que se depura, que se alarga y se acerca y se concreta en la proyección.

El ensayo del rodaje es para él un momento maravilloso, algo mágico; es el esfuerzo individual captado por la cámara; es el “casi” de la imagen; es el instante que encierra el sentimiento de ese esfuerzo creativo; es compartir con el actor la metamorfosis del ritmo corporal, al adaptarse al ritmo expresivo y musical; es la belleza de la imperfección al tratar de llegar. La magia procede del esfuerzo espontáneo, que al ser registrado por el medio cinematográfico, se afirma como mirada y observación y trasciende lo cotidiano para afianzarse en la creatividad.

En los ensayos se logra capturar el momento de preparación, como también alcanzar la flexibilidad de captar matices de definición, de forma y de color.

La filmación deja de ser un simple testimonio del evento artístico, para convertirse en una exploración cómplice del director con el espectador.

En Saura, la fotografía es el primer testimonio de ese proceso creativo; el artista recoge información visual, congela el instante y lo vuelve pasado, pero debe revitalizarlo; es así que se sirve de su poder innato de abstracción y concreción, traslada esa imagen a la pantalla y logra como consecuencia, esa fusión de música, danza y ritmo, con una cámara que registra un accionar cotidiano y permanente.

Su colección de fotografías tiene la importancia implícita de mostrarnos un proceso creativo desde sus inicios, a través de una transparencia de imágenes que es característica típica de una personalidad: la de Carlos Saura que prefiere ser amateur antes que profesional, pero que como amateur lo hace al mejor estilo profesional, siguiendo los dictados de su propia creatividad.

Delia Negro

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Written by Delia Negro

noviembre 7, 2006 at 5:31 am